 ▲ (좌) 유디트 접시, (중) 디너 파티 제1테이블 유디트 자리, (우) 유디트 러너 이미지 출처: 브루클린 뮤지엄 사이트 |
정경에서는 배제되었으나 유디트(Judith)의 이름은 수천 년 동안 신앙과 예술 속에서 끊임없이 되살아났다. 그녀의 이야기는 억압의 시대에 여성의 손으로도 구원이 가능하다는 깊은 신념을 품은 서사이다.
‘유디트서(書)’는 언제나 경계 위에 서 있었다. 히브리 성경에서는 사라졌으나 70인 역 성경에는 포함되었다. 가톨릭과 동방정교회는 경전으로, 개신교와 유대교는 외경으로 분류하였다. 이 작품은 역사와 허구, 신앙과 문학의 경계를 가로지르며 탄생하였다. 단순한 서사가 아닌 지혜 문학적 극(劇)의 형식이다. 줄거리는 명료하다. 아시리아의 침공으로 위기에 처한 이스라엘에서 과부 유디트가 적진에 잠입하여 장수 홀로페르네스의 목을 베어 공동체를 구원한다.
기원전 2세기, 유대 사회는 헬레니즘 제국의 지배 아래 신앙의 뿌리마저 흔들리는 위기를 겪고 있었다. 성전은 제우스의 신전으로 바뀌고, 안식일마저 금지되었다. ‘유디트서(書)’는 이러한 절체절명의 시대적 긴장에서 탄생하였다. 유디트의 칼은 단순한 처형의 도구가 아니었다. 민족의 정체성과 신앙의 언약을 지키려는 단호하고도 숭고한 결단이었다. 그녀의 이름이 ‘유다의 여인’을 뜻하는 사실에서 알 수 있듯이 유디트는 개인을 넘어 공동체 전체를 상징하는 형상이었다. 그녀의 이야기는 외세의 위협 앞에서 지켜야 할 것이 무엇인가를 일깨우는 깊은 신념의 서사이다.
유디트의 이야기는 허구와 실존 사이를 오가며, 수천 년 동안 인류의 기억 속을 흐르고 있다. 성경의 정경에서는 배제되었지만, 수많은 예술가는 그녀를 역사의 그늘에 방치하지 않았다. 특히 르네상스와 바로크 시대의 거장들은 그녀의 신념을 승화된 예술로 세상에 다시 불러냈다.
르네상스 시대의 선구적인 조각가 도나텔로(1386~1466)는 피렌체 팔라초 베키오에 소장된 청동상 ‘유디트와 홀로페르네스’(1457~1464)를 통해 억압의 오만을 끌어내리는 정의의 손을 선명히 보여주었다. 또한 세기의 조각가 부오나로티 미켈란젤로(1475~1564)는 바티칸 시국 시스티나 예배당 천장의 네 모서리 삼각 아치 공간(펜던티브)에 ‘유디트와 홀로페르네스’(1508~1
512)를 배치하여 여성의 손으로 이루어진 구원을 교회 천장 위에 상징적으로 새겨 넣었다. 이어 산드로 보티첼리(1445~1510)는 ‘베툴리아로 돌아오는 유디트’를, 티치아노 베첼리오(1488/90~1576)는 ‘홀로페르네스의 시신 발견’과 ‘유디트(살로메)’에서 유혹과 지혜의 경계에 선 유디트를 그려냈다.
이러한 역사 속에서 바로크 회화 시대의 천재 화가 카라바조(1571~1610)는 로마 국립고대미술관 팔라초 바르베리니에 소장된 ‘홀로페르네스를 참수하는 유디트’(1598~1599)에서 참수의 순간을 정면으로 응시하게 하는 역사의 단죄를 담았다. 특히 서양 회화사 최초의 여성 화가 아르테미시아 젠틸레스키(1593~1652)는 피렌체 우피치 미술관 소장 작품(1612~1613)과 나폴리 카포디몬테 미술관 소장 작품(1620경)인 ‘유디트가 홀로페르네스를 죽이다’에서 사실적이고도 강렬한 참수 장면으로 역사가 외면했던 여성의 목소리를 단호하게 증언하였다.
신의 예언처럼 유디트는 수많은 예술가의 손끝을 거쳐 시대의 정의와 절망, 구원과 고통을 품은 형상으로 다시 태어났다. 그리고 마침내, 20세기 말 페미니즘 미술의 성좌(星座) ‘디너 파티’에서 그녀는 또 한 번 새롭게 탄생한다.
주디 시카고는 역사의 숨결처럼 다시 불려 온 여성 유디트를 제1테이블 아홉 번째 자리에 앉혔다. 그녀의 이름 위에 놓인 접시 중심에 겹겹이 포개진 꽃잎의 형상은 깊은 사유의 철학으로 승화된 미학의 언어다. 중심부에서 활활 피어오르듯 열리는 꽃잎은 여성에게 내재한 신성한 생명과 상처 입은 서사의 고통까지 깊숙하게 끌어안고 있다.
이 접시는 동양 도자 회화의 기법을 따라 수많은 미세한 층을 붓질로 쌓아 올린 후 윤기를 품은 유약으로 마감해 구워낸 것이다. 그 정제된 표면 아래 아르테미시아 젠틸레스키를 연상시키는 강렬한 명암의 감성이 흐르며 유디트의 칼은 말없이 번뜩이고 있다. 그것은 은폐된 분노와 내면의 정의 그리고 역사의 어둠을 가른 여성의 결단을 표현한 것이다.
작품의 러너는 해석의 무게를 직물로 옮겨놓는다. 상단을 따라 흐르는 금사(金絲)와 동전 장식의 띠는 예멘계 유대 여성들이 착용하던 전통 머리 장식 ‘가르구시’를 떠올리게 한다. 혼인 시 집안의 부를 드러내던 그 장식은, 여성의 몸이 한때 교환가치의 표식으로 간주되었던 역사적 현실을 증언한다.
그러나 시선이 화면 하단으로 내려오면 이야기는 반전된다. 중심을 단단히 지탱하는 과감한 삼각형 버클 아래, 금실로 수놓인 이름 ‘Judith’를 짧은 검(劍)의 형상이 비스듬히 가르고 있다. 그것은 억압을 끊어낸 단절의 선이며 새로운 서사를 여는 섬광과 같은 기호이다.
러너의 좌우에는 히브리어 문장이 자수로 수직 배치되어 있다. ‘유디트서’는 유디트가 홀로페르네스를 베어 돌아온 뒤, “너는 예루살렘의 큰 영광이요, 이스라엘의 큰 기쁨이요, 우리 민족의 큰 자랑이로다”(15:9)라는 찬사로 그녀를 기념한다. 이 구절의 정신을 바탕으로 러너에는 “유디트, 그녀는 민족의 영웅”이라는 문장이 새겨져 있다. 그 한 땀 한 땀의 바느질은 지울 수 없는 기억을 잇는 실이며, 역사의 숨결을 직조하는 상징이다.
주디 시카고는 이처럼 회화의 감성과 직물의 문장을 결합하여 허구조차 현실을 흔들 수 있는 이야기의 힘으로 일으켜 세운다. 관람자는 화려한 꽃의 표면을 지나 바느질의 문턱 앞에 이른다. 그리고 마주하는 질문은 더 이상 “요부인가, 구원자인가”가 아니다. 누가 말하고, 무엇이 기록되었으며, 지금 그 기록을 누가 다시 읽고 있는가. 유디트는 사라진 이름 위에 또 하나의 기억으로 남는다. artwww@naver.com
#주디시카고 #디너파티 #유디트 #여성예술 #페미니즘아트 #BrooklynMuseum
필자: 이일영
한국미술센터 관장. 칼럼니스트. 시인
 ▲ 필자: 이일영 ©이일영 칼럼니스트 |
*아래는 위 기사를 '구글 번역'으로 번역한 영문 기사의 [전문]입니다. '구글번역'은 이해도 높이기를 위해 노력하고 있습니다. 영문 번역에 오류가 있을 수 있음을 전제로 합니다.<*The following is [the full text] of the English article translated by 'Google Translate'. 'Google Translate' is working hard to improve understanding. It is assumed that there may be errors in the English translation.>
Although excluded from the canon, Judith's name has been resurrected in faith and art for millennia. Her story embodies a profound belief that salvation, even by the hands of women, is possible in times of oppression.
The Book of Judith has always lingered on the margins. While removed from the Hebrew Bible, it was included in the Septuagint. Catholics and Eastern Orthodox Christians classify it as canonical, while Protestants and Jews class it as apocryphal. This work straddles the boundaries between history and fiction, faith and literature. It is not a simple narrative, but rather a form of wisdom drama. The plot is clear. In Israel, threatened by the Assyrian invasion, the widow Judith infiltrates enemy lines and beheads the general Holofernes, saving her community.
In the 2nd century BCE, Jewish society faced a crisis that shook the very foundations of its faith under the rule of the Hellenistic Empire. The temple was converted into a temple to Zeus, and even the Sabbath was banned. The Book of Judith was born from this desperate tension of the times. Judith's sword was not simply a tool of execution. It represented a resolute and noble determination to preserve her national identity and the covenant of faith. As her name, meaning "Woman of Judah," suggests, Judith symbolized not only the individual but also the entire community. Her story is a narrative of profound conviction, awakening us to what must be protected in the face of external threats.
Judith's story, weaving between fiction and reality, has resonated in human memory for millennia. While excluded from the biblical canon, countless artists have not relegated her to the shadows of history. Masters of the Renaissance and Baroque, in particular, sublimated her convictions and brought them back to life through art.
Donatello (1386–1466), a pioneering Renaissance sculptor, vividly portrayed the hand of justice that brings down the arrogance of oppression through his bronze statue "Judith and Holofernes" (1457–1464), housed in the Palazzo Vecchio in Florence. Similarly, Michelangelo Buonarroti (1475–1564), a sculptor of the century, placed "Judith and Holofernes" (1508–1512) in the four corners of the triangular arches (pendentives) of the Sistine Chapel ceiling in Vatican City, symbolically inscribing salvation by the hand of a woman onto the church ceiling. Sandro Botticelli (1445–1510) then painted "Judith Returning to Bethulia," and Titian Vecellio (1488/90–1576) depicted Judith on the brink of seduction and wisdom in "The Discovery of Holofernes' Body" and "Judith (Salome).
In this historical context, Caravaggio (1571–1610), a genius painter of the Baroque era, portrayed the moment of beheading with a stark stare, a condemnation of history, in "Judith Beheading Holofernes" (1598–1599), housed in the Palazzo Barberini National Gallery of Ancient Art in Rome. In particular, Artemisia Gentileschi (1593–1652), the first female painter in Western painting history, resolutely asserted the voice of women, a voice historically ignored, with her realistic and powerful beheading scenes, "Judith Kills Holofernes," housed in the Uffizi Gallery in Florence (1612–1613) and the Galleria Capodimonte in Naples (c. 1620).
Like divine prophecy, Judith was reborn through the hands of countless artists as a figure embodying the justice, despair, salvation, and suffering of the times. Finally, at the "Dinner Party," a constellation of feminist art in the late 20th century, she was reborn once again.
Judy Chicago seated Judith, a woman resurrected like the breath of history, at the ninth seat of the first table. The layered petals at the center of the plate above her name embody an aesthetic language sublimated into a philosophy of profound contemplation. The petals, bursting forth from the center, deeply embrace both the sacred life inherent in women and the pain of a wounded narrative.
This plate, using the techniques of Eastern ceramic painting, was created by brushing countless fine layers, finishing with a lustrous glaze, and firing them. Beneath its refined surface flows a powerful sensibility of chiaroscuro, reminiscent of Artemisia Gentileschi, while Judith's sword silently glimmers. It expresses concealed anger, inner justice, and a woman's determination to cut through the darkness of history.
The work's runner transfers the weight of interpretation to the fabric. The gold thread and coin-decorated band running along the top recall the "gargush," a traditional headdress worn by Yemeni Jewish women. This ornament, which displayed the family's wealth at marriage, testifies to a historical reality in which women's bodies were once considered tokens of exchange value.
However, as the gaze descends to the bottom of the painting, the narrative shifts. Beneath the bold triangular buckle firmly supporting the center, the name "Judith" is embroidered in gold thread, diagonally cut by a short sword. It is a line of rupture that severs oppression, a symbol like a flash of light that opens a new narrative.
Hebrew text is embroidered vertically on both sides of the runner. The Book of Judith commemorates Judith after she returns from slaying Holofernes with the words, "Great glory to Jerusalem, great joy to Israel, great pride to our people" (15:9). Inspired by this verse, the runner is engraved with the phrase, "Judith, she is a national heroine." Each stitch is a thread that connects indelible memories, a symbol that weaves the breath of history.
Judy Chicago thus combines the sensibility of painting with the text of fabric, elevating even fiction with the power of storytelling that can shake reality. The viewer passes through the dazzling surface of the flower and arrives at the threshold of the needlework. And the question confronting them is no longer, "Woman or Savior?" Who spoke, what was recorded, and who is now rereading that record? Judith remains as another memory, a memory that has vanished. artwww@naver.com
#JudyChicago #DinnerParty #Judith #Women'sArt #FeministArt #BrooklynMuseum
Author: Lee Il-young
Director of the Korea Art Center. Columnist. Poet
