 ▲ (좌) 사포 식기의 중심에서 안쪽으로 소용돌이치듯 겹쳐진 붉은 꽃 형상. (중) 디너 파티의 사포 자리 전경, (우) 사포 이름이 수 놓인 러너의 곡선 이미지 출처: 브루클린뮤지엄 사이트 |
고대 그리스의 밤하늘에 아홉 명의 전설적인 뮤즈가 있었다. 사유의 철학자 플라톤은 여기에 인간인 한 여성을 추가하였다. 전설에 따르면 플라톤은 기원전 7세기 레스보스섬에서 활동했던 여성 시인 ‘사포(Sappho)’를 ‘제10의 뮤즈’라 불렀다고 전한다.
여성 시인 사포는 에게해 동북부 오늘날 튀르키예 해안에 인접한 레스보스섬에서 태어났다, 에게해에서 세 번째로 큰 레스보스섬의 올리브와 포도주로 유명한 주요한 고대 도시 에레소스(Eressos)와 미틸리네(Mytilene) 태생에 대한 의견이 분분하지만, 두 도시에서 활동한 사실은 여러 기록에서 확인된다.
레스보스섬은 여성 시인 사포와 미틸리네 태생의 시인 알카이오스(Alcaeus)가 동시대에 활동한 고대 그리스의 중요한 문화예술의 중심지였다. 두 시인 모두 귀족 출신으로 알카이오스는 레스보스섬의 정치적 혼란기에 정치 투쟁에 패배하여 여러 차례 망명을 떠나야 했던 험난한 삶의 감정과 고향에 대한 그리움을 격정적이면서도 생생한 언어로 표현한 서정시인이었다.
이처럼 격동적인 삶을 살았던 그는 서정시에서 매우 독특한 알카이오스 운율(Alcaic stanza)을 창시하였다. 알카이오스 운율은 장엄-장엄-반전-종결의 4행 연(stanza) 구조이다. 1-2행은 길고 장중하며 3행에서 갑자기 짧아지는 전환으로 생동감을 더하여 4행을 안정적으로 마무리하는 엄정하면서도 역동적인 시 형태이다. 이는 로마 아우구스투스 시대를 대표하는 시인 호라티우스(Horace)가 송가집(Odes)에서 고스란히 계승하여 후세에 전하였다.
이러한 사실에서 주요하게 살펴 가야 할 내용이 있다. 바로 ‘사포의 운율(Sapphic stanza)’이다. 로마 시인 호라티우스(Horace, 65 BC–8 BC)는 ‘알카이오스 운율’의 계승과 함께 여성 시인 ‘사포의 운율’을 함께 계승하였다. 그는 송가집 ‘카르미나(Carmina)’에서 사포의 운율을 사용하여 한층 절제된 사유의 감정을 표현하였다.
사포의 운율(Sapphic Stanza)도 4행 연(stanza) 구조이다. 1-3행은 각 11음절의 유사한 리듬으로 생각이나 감정을 서서히 증폭시키는 마치 멜로디가 조용히 반복되며 고조되어 가는 음악처럼 주제를 발전시켜 간다. 그러나 4행에서 5음절의 매우 짧은 행으로 앞선 3행의 내용을 단번에 응축하면서 마무리하는 감정의 절정으로 깊은 여운을 남게 한다. 이는 알카이오스 운율이 폭역동적인 남성성의 상징이라면 사포의 운율은 파도처럼 우아하면서도 강력한 여성성을 상징한다.
호라티우스(Horace, 65 BC–8 BC)가 사포의 운율을 계승한 역사 이전에 사포의 운율을 헤아린 시인이 있었다. 로마 공화정 말기의 시인 카툴루스(G.V. Catullus, c. 84–c. 54 BC)였다. 그는 사포의 운율과 정신을 혁신적으로 도입한 시인이다. 그는 사포가 창조한 감성의 그릇과 같은 운율을 바탕으로 자신의 특성적 감정인 로마적 열정과 고통을 빚어냈다.
"카툴루스의 이러한 선구적인 실험은 사포 운율이 라틴어 시에 정착할 수 있는 토대를 마련했으며 이를 바탕으로 후대의 호라티우스가 그리스 서정시를 한층 장중하고 절제된 형태로 완성하는 길을 열었다. 나아가 중세와 르네상스 시대에 유럽 전역의 시인들이 사포의 감성을 헤아렸으며 19세기에서 20세기에도 유럽의 많은 시인들의 감성적 근원이었다.
이는 레스보스섬 출신의 두 남녀 천재 시인 알카이오스와 사포가 창시한 4행 연의 서정시 운율이 동일한 시대 같은 지형에서 탄생한 역사로 고대 레스보스섬이 서양 서정시의 요람이었음을 증명하는 것이다.
그렇다면 사포 시인의 운율적 감성의 특성은 무엇이었을까? 많은 연구를 헤아리며 필자는 사포의 작품은 ‘서정’이라는 감성에 담긴 어원 그대로 리라 반주와 함께 노래하였을 음악적 시라는 추정을 가슴에서 매만진다.
당시 레스보스섬에서 활동하였던 여성 시인 사포는 여성들로 구성된 공동체 모임을 이끌며 시와 음악과 춤을 가르친 것으로 단편적인 기록이 존재한다. 이는 리라 반주에 시를 노래하였던 상황으로 결국 사포 시인은 시와 함께 음악을 작곡한 인류 최초의 싱어송라이터라는 추정이 가능해진다.
그녀는 치열한 전쟁의 광장이 아닌 격동의 세상을 살아가는 여성들의 삶이 품은 기쁨과 슬픔을 속삭이듯 노래하였다. 남성 중심 사회는 그녀의 존재를 오랜 역사 동안 두려워했다. 후대 로마 작가들은 사포를 희화화하여 편견 속에 가두었다. 그러나 이러한 왜곡은 그녀가 얼마나 강렬한 목소리였는지를 역설적으로 증명한다.
그녀는 서정시인이었다. 그녀의 작품은 대부분 주인을 잃은 파편으로만 남았지만, 그 조각들은 마치 역사를 관통한 시대의 울음처럼 맑은 눈물을 흘리며 오늘날까지 생존해 있다. 그녀의 시 중 유일하게 비교적 온전하게 전해지는 ‘아프로디테 찬가’는 신에게 사랑의 은총을 간절히 청하는 여성의 목소리가 2,600년 시간을 뚫고 생생하게 살아 숨 쉬는 숨결과 같다.
 ▲ 영국 도서관 소장 사포 파피루스 조각 (Papyrus 739) — 기원전 3세기경 필사로 추정되는 사포의 시 「사포 단편 31」 원본 사본 |
사포의 시 대부분은 완전한 형태로 전해지지 않는다. 파피루스의 찢어진 조각, 도자기의 기록, 인용의 파편으로만 남았다. 그러나 이 부서진 운명이야말로 사포의 언어를 더 빛나게 만든다. 완전하지 않기에 독자는 빈칸 속에서 그녀의 목소리를 상상하게 된다. 이는 “사라짐 속의 생존”이라는 역설이며, 동시에 여성의 언어가 역사 속에서 겪어야 했던 조건을 증언하는 은유다.
‘디너 파티’ 제1테이블 여덟 번째 자리에 놓인 사포의 접시는 그녀를 단순히 기념하는 데 그치지 않는다. 이름 위에 활활 타오르듯 피어난 감각의 형상은 ‘사포’라는 존재를 다시 부르는 간절한 외침이다. 접시 중앙에서는 진홍과 보랏빛의 꽃잎들이 율동하듯 겹겹이 포개져 피어난다. 그 형상은 여성의 몸에서 솟아나는 생명의 기원을 은유한다. 동시에 사포의 시편에 반복되던 꽃과 향기의 이미지, 그리고 리라의 떨림을 시각으로 풀어낸 역사적 숨결이기도 하다.
러너 위에는 에게해의 물결처럼 흐르는 자수의 곡선과 고대 도리아 양식의 기둥 형상이 어우러진다. 러너 뒷면에 수 놓인 신전은 단단한 외관 너머, 그녀의 시에서 뿜어 나오는 감성의 신전임을 상징하고 있으며, 이름 ‘Sappho’는 폭발하듯 색채의 중심에서 피어오른다. 그 첫 글자 S에는 리라가 그려져 있다. 사포가 자신의 시에 직접 멜로디를 입히던 시적 행위를 상기시키는 장치다.
주디 시카고는 이 테이블에서 사포를 단순한 시인이 아닌, 여성 언어의 기원을 품은 존재이며 고대의 목소리를 오늘로 이끈 시적 형상으로 불러냈다. 그녀의 조각난 시편처럼 작품 역시 완결이 아닌 ‘상상과 해석의 여백’을 남기며 관람자에게 말을 건다. 꽃잎의 형상은 말하듯 속삭인다. “나는 잊히지 않았다. 나의 언어는 여전히 노래하고 있다.” artwww@naver.con
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필자: 이일영
한국미술센터 관장. 칼럼니스트. 시인
 ▲ 필자: 이일영 ©이일영 칼럼니스트 |
*아래는 위 기사를 '구글 번역'으로 번역한 영문 기사의 [전문]입니다. '구글번역'은 이해도 높이기를 위해 노력하고 있습니다. 영문 번역에 오류가 있을 수 있음을 전제로 합니다.<*The following is [the full text] of the English article translated by 'Google Translate'. 'Google Translate' is working hard to improve understanding. It is assumed that there may be errors in the English translation.>
Flowers in the Shade – (3-11) Judy Chicago's The Dinner Party
- Columnist Lee Il-young
In ancient Greece, there were nine legendary muses in the night sky. The philosopher Plato added a human woman to the list. According to legend, Plato called Sappho, a female poet active on the island of Lesbos in the 7th century BC, the "tenth muse."
The poet Sappho was born on the island of Lesbos, off the coast of present-day Turkey in the northeastern Aegean Sea. While there are differing opinions about her birthplace, the island's third-largest, the Aegean Sea, and its major ancient cities, Eressos and Mytilene, renowned for their olive and wine production, various records confirm her activities in both cities.
Lesbos was a significant cultural and artistic center of ancient Greece, where Sappho and the Mytilene-born poet Alcaeus were active contemporaneously. Both poets were of noble birth. Alcaeus, who suffered political defeats and was forced into exile several times during the political turmoil of Lesbos, was a lyric poet who expressed his difficult life and longing for his homeland in passionate and vivid language.
Due to this turbulent life, he pioneered the distinctive Alcaic stanza in lyric poetry. Alcaic meter is a four-line stanza structure of solemnity, solemnity, reversal, and conclusion. The first two lines are long and solemn, and the third line abruptly shortens, adding liveliness and concluding the fourth line with stability. This is a rigorous yet dynamic poetic form. Horace, a representative poet of the Augustan era in Rome, inherited this form in his Odes and passed it down to future generations.
This fact highlights a key element that warrants further examination: the "Sapphic stanza." The Roman poet Horace (65 BC–8 BC) inherited both the "Alcaic meter" and the meter of the female poet, "Sappho." He used Sappho's meter in his ode collection "Carmina" to express even more restrained, contemplative emotions.
The Sapphic stanza also features a four-line stanza structure. Lines 1-3, each with a similar rhythm of 11 syllables, gradually amplify thoughts and emotions, developing the theme like a quietly repeated melody rising to a crescendo. However, line 4, with its extremely short, five-syllable line, instantly condenses the content of the preceding three lines, concluding with an emotional climax that leaves a deep, resonant impression. While Alcaeus's meter symbolizes dynamic masculinity, Sappho's meter symbolizes a wave-like, elegant yet powerful femininity.
Before Horace (65–8 BC) adopted Sappho's meter, another poet, Catullus (c. 84–c. 54 BC), a poet of the late Roman Republic, had already grasped her rhythm. He was a poet who innovatively adopted Sappho's rhythm and spirit. Building on Sappho's emotional vessel, the meter he created, he crafted his own signature emotions of Roman passion and suffering.
Catullus's pioneering experiment laid the foundation for Sappho's meter to become established in Latin poetry, paving the way for Horace to later refine Greek lyric poetry into a more solemn and restrained form. Furthermore, poets across Europe during the Middle Ages and Renaissance recognized Sappho's sensibility, and it remained a source of inspiration for many European poets in the 19th and 20th centuries.
This history demonstrates that the four-line lyric meter, pioneered by two genius poets from the island of Lesbos, Alcaeus and Sappho, was born in the same era and geography, proving that ancient Lesbos was the cradle of Western lyric poetry.
So, what were the characteristics of Sappho's meter? After extensive research, I firmly believe that Sappho's work, true to the etymology of the word "lyric," was musical poetry, likely sung with lyre accompaniment.
Sappho, a female poet active on the island of Lesbos at the time, was a member of a community of women. There are fragmentary records of her leading gatherings and teaching poetry, music, and dance. This suggests that she sang her poetry to the accompaniment of the lyre, leading to the assumption that Sappho was the first singer-songwriter to compose music alongside her poetry.
She whispered the joys and sorrows of women's lives, not in the squares of fierce war, but in the turbulent world. Male-dominated society long feared her presence. Later Roman writers caricatured her, confining her to prejudice. However, this distortion paradoxically demonstrates the power of her voice.
She was a lyric poet. While most of her works remain as fragments, lost to their owners, these fragments, like the weeping of an era that has permeated history, survive to this day, shedding pure tears. The "Hymn to Aphrodite," the only relatively intact of her poems, is a woman's voice, desperately pleading with the gods for the grace of love, a breath that lives and breathes vividly through 2,600 years.
▲ Fragment of the Sappho Papyrus from the British Library (Papyrus Sappho) 739) — An original copy of Sappho's poem "Sappho Fragment 31," believed to have been copied around the 3rd century BCE.
Most of Sappho's poems have not survived in their complete form. They remain only as torn pieces of papyrus, pottery records, and fragments of quotations. Yet, it is precisely this fractured fate that makes Sappho's language shine even brighter. Because it is incomplete, the reader is forced to imagine her voice in the blank spaces. This is a paradox of "survival in disappearance," and at the same time, a metaphor testifying to the conditions women's language has endured throughout history.
Sappho's plate, placed at the eighth table at the "Dinner Party," does more than simply commemorate her. The fiery, sensual imagery that blooms above her name is a desperate cry for the reemergence of "Sappho." In the center of the plate, crimson and purple petals bloom, layered in rhythmic layers. This image metaphorically symbolizes the origin of life, springing from a woman's body. Simultaneously, it echoes the recurring images of flowers and fragrances in Sappho's poetry, and the lyre. It is also a historical breath, visually expressing a trembling feeling.
The runner blends the flowing curves of embroidery, like the waves of the Aegean Sea, with the forms of ancient Doric columns. The temple embroidered on the back of the runner symbolizes, beyond its solid exterior, the temple of emotion emanating from her poetry. The name "Sappho" explodes from the center of the color. The initial letter "S" is depicted as a lyre, a device that recalls Sappho's poetic act of personally setting melody to her own poems.
In this table, Judy Chicago conjures Sappho not simply as a poet, but as a being who embodies the origins of feminine language, a poetic figure that brings ancient voices to the present. Like her fragmented poems, the work speaks to the viewer, leaving "space for imagination and interpretation" rather than a conclusion. The flower petals whisper, as if to say, "I am not forgotten. My language still sings." artwww@naver.con
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Author: Lee Il-young
Director, Korea Art Center. Columnist. Poet
