 ▲ 조지아 오키프(Georgia O’Keeffe), 1918년경 사진. 촬영-알프레드 스티글리츠(Alfred Stieglitz) 출처: The J. Paul Getty Museum / Public Domain © 이일영 칼럼니스트 |
그늘 속에 핀 꽃 – (3-40) 주디 시카고의 디너 파티 (최종회)
-이일영 칼럼니스트
브루클린 뮤지엄 4층에 소장된 설치미술 ‘디너 파티’ 전시실의 삼각형 만찬 테이블 끝자락에 이르면 관람객의 시선이 자연스럽게 머무는 자리가 있다.
대지에서 솟아오른 꽃잎이 바람에 흔들리듯 펼쳐진 유기적 형상이 자리한 곳, 미국 현대미술의 거장 조지아 오키프(1887~1986)의 자리다. 설치미술 ‘디너 파티’를 역사에 남긴 미술가 주디 시카고는 이 마지막 자리를 위해 작품 전체에서 가장 높은 접시를 세웠다고 말하였다. 이는 한 여성 예술가가 예술사 속에서 도달한 상징적 높이와 깊이를 응축한 것이었다.
조지아 오키프는 20세기 미국에서 가장 사랑받는 화가 중 한 명으로 ‘미국 모더니즘의 어머니’라 불리며 뉴욕 현대미술관(MoMA)에서 회고전을 연 최초의 여성 화가였다. 1946년 5월 14일부터 8월 25일까지 열린 이 회고전은 그녀의 초기 종이 추상화에서부터 해마다 뉴멕시코에서 사막의 빛과 대지를 응시하며 그린 몽환적 풍경화, 그리고 극도로 확대된 꽃의 상징적 회화에 이르기까지 폭넓은 작업 세계를 아우르며 그녀의 예술사를 정점에서 되돌아보게 한 사건이었다.
1986년 그녀가 세상을 떠난 후 1997년 뉴멕시코주 산타페이에는 여성 화가 최초의 단독 미술관 ‘조지아 오키프 미술관’이 문을 열었다. 그 후 2014년 그녀의 작품 ‘흰 독말풀-흰 꽃 No.1(Jimson Weed-White Flower No.1)’이 뉴욕 소더비 경매에서 4,440만 달러에 낙찰되며 여성 화가 작품 중 역사상 최고가 기록을 세웠다.
‘디너 파티’에 놓인 조지아 오키프의 접시는 꽃잎이 열리고 접히는 형태가 중첩된 유기적 높이를 이루며 그녀가 평생 탐구해 온 꽃과 대지와 몸의 언어를 조형적으로 압축한 것이다. 이는 ‘디너 파티’ 전체를 관통하는 여성적 상징의 정점이며 작품 속 39명의 여성 역사 가운데 마지막 자리를 맡은 오키프가 어떤 시대의 짐과 영광을 짊어진 인물인지를 보여준다.
나아가 1979년 ‘디너 파티’가 완성될 때 39명 중 살아 있던 유일한 인물이 바로 오키프였다는 사실은 그녀가 이 거대한 여성 서사의 한복판에서 증언자의 역할을 부여받았음을 뜻한다.
조지아 오키프는 1887년 위스콘신주 선 프레리의 낙농업 집안에서 태어나 일곱 남매 중 둘째로 자라며 일찍부터 예술적 감수성을 드러냈다. 시카고 미술학교와 뉴욕 아트 스튜던트 리그에서 수학한 뒤 아서 웨슬리 다우를 통해 일본적 구성 원리를 접하고 이를 바탕으로 사실 재현에서 벗어난 독창적 조형 감각을 확립하였다.
1915년 사우스캐롤라이나에서 혁신적 목탄 추상 연작을 완성해 스티글리츠의 291 갤러리에 소개된 것을 계기로 미국 모더니즘의 선구자로 부상하였다. 이후 극도로 확대된 꽃의 클로즈업 회화, 뉴욕 마천루 연작, 그리고 1929년 이후 예술적 고향이 된 뉴멕시코 사막의 빛과 바람과 뼈를 통해 자신만의 시각 언어를 구축하며 미국 현대미술의 지평을 새롭게 열었다.
그녀는 자신이 사랑하는 세계를 그렸다. 뉴욕의 밤하늘을 가르는 마천루의 수직선은 라디에터 빌딩을 그린 작품 속에서 현대 도시의 냉정한 신화를 드러냈다. 또한, 허드슨강 너머로 솟아오른 달빛은 Night, New York의 깊이를 이루었다. 그러나 무엇보다 모든 관객을 사로잡는 것은 꽃 그림이었다. 작은 꽃잎을 화면 가득 확대한 오키프의 꽃은 꽃의 내부 구조와 리듬을 응시하게 하며 ‘사람들은 시간을 내어 진짜로 꽃을 보지 않는다’라는 그녀의 선언을 시각적 우주로 펼쳐낸 작품들이다.
1929년, 마흔을 넘긴 오키프는 마침내 자신의 영혼이 정박해야 할 예술의 안식처를 만났다. 뉴멕시코였다. 붉은 사암층, 검은 언덕, 사막의 고요한 수평선, 바람에 뼈처럼 마르고 남은 해골들. 그녀는 아비키우와 고스트 랜치에 집과 작업실을 마련해 그곳의 산과 대지를 무수히 그리며 자신이 사랑하고 응시한 모든 것을 새롭게 확장해 갔다.
소 두개골과 백일홍, 홀리호크와 사막의 지평이 한 화면 안에서 교차하는 Summer Days와 같은 작품에서 그녀는 죽음과 생명, 황량함과 충만함을 동시에 그려냈다. 말년에 시력을 잃어가면서도 연필과 수채, 흙을 더듬으며 거의 백 세에 이르기까지 세계를 다시 보려는 노력을 멈추지 않았다.
 ▲ (좌) 디너파티 조지아 오키프 접시 (중) 조지아 오키프 테이블 (우) 조지아 오키프 리너 출처: 브루클린 뮤지엄 공식사이트 © 이일영 칼럼니스트 |
‘디너 파티’ 마지막 자리에 앉은 조지아 오키프는 앞선 38명의 여성이 이룩한 인류사의 흐름을 미래로 이끄는 시선이다. 삼각형 테이블 끝에서 관람객을 마주하는 그녀의 자리는 꽃과 뼈와 대지의 이미지 뿐 아니라 한 세기의 예술사와 한 여성 화가가 격동의 시대를 관통하며 세계를 바라보았던 눈빛이 살아있는 자리다. artwww@naver.com
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필자: 이일영
한국미술센터 관장. 칼럼니스트. 시인.
*아래는 위 기사를 '구글 번역'으로 번역한 영문 기사의 [전문]입니다. '구글번역'은 이해도 높이기를 위해 노력하고 있습니다. 영문 번역에 오류가 있을 수 있음을 전제로 합니다.<*The following is [the full text] of the English article translated by 'Google Translate'. 'Google Translate' is working hard to improve understanding. It is assumed that there may be errors in the English translation.>
 ▲ 필자: 이일영 ©이일영 칼럼니스트 |
Flowers in the Shade – (3-40) Judy Chicago's Dinner Party (Final Episode)
- Lee Il-young, Columnist
At the end of the triangular banquet table in the "Dinner Party" installation on the fourth floor of the Brooklyn Museum, the viewer's gaze naturally lingers.
This organic form, like petals rising from the earth and swaying in the wind, marks the spot where Georgia O'Keeffe (1887-1986), a master of American modern art, stood. Judy Chicago, the artist who made history with her "Dinner Party" installation, said she erected the tallest plate in her entire body of work for this final spot. This condensed the symbolic heights and depths a female artist had achieved in the history of art.
Georgia O'Keeffe, one of the most beloved American painters of the 20th century, is known as the "Mother of American Modernism" and was the first female artist to receive a retrospective at the Museum of Modern Art (MoMA) in New York. Held from May 14 to August 25, 1946, the retrospective showcased a wide range of her work, from her early abstract paper paintings to the dreamlike landscapes she painted each year in New Mexico, gazing upon the desert light and earth, to her highly expanded, symbolic paintings of flowers, offering a culmination in her artistic history.
Following her death in 1986, the Georgia O'Keeffe Museum opened in Santa Fe, New Mexico, in 1997, the first solo museum dedicated to a female artist. In 2014, her work "Jimson Weed - White Flower No. 1" sold for $44.4 million at Sotheby's in New York, setting a record for the highest price ever paid for a work by a female artist.
Georgia O'Keeffe's plate in "The Dinner Party" features overlapping, organic heights of petals opening and closing, sculpturally encapsulating her lifelong explorations of flowers, the earth, and the language of the body. This culminates in the feminine symbolism that permeates "The Dinner Party" and reveals the burden and glory of an era that O'Keeffe, the last of the 39 women depicted in the painting, bore.
Furthermore, the fact that O'Keeffe was the only living member of the 39 figures in "The Dinner Party" when it was completed in 1979 signifies her role as a witness at the center of this vast female narrative.
Georgia O'Keeffe was born in 1887 to a dairy farming family in Sun Prairie, Wisconsin, and grew up the second of seven children, displaying an artistic sensibility from an early age. After studying at the School of the Art Institute of Chicago and the Art Students League of New York, she was introduced to Japanese compositional principles through Arthur Wesley Dow, and based on this, she developed a unique sculptural sensibility that transcended realistic representation.
In 1915, in South Carolina, she completed a series of innovative charcoal abstracts, which were exhibited at Stieglitz's 291 Gallery, and she emerged as a pioneer of American modernism. She subsequently established a unique visual language through her extremely enlarged close-up paintings of flowers, her New York skyscraper series, and the light, wind, and bones of the New Mexico desert, which became her artistic home from 1929 onward. She redefine the horizons of American modern art.
She painted the world she loved. The vertical lines of skyscrapers piercing the New York night sky, like those of Radiator Buildings, reveal the cold myth of the modern city. The moonlight rising over the Hudson River also created the depth of Night, New York. But above all, it was her flower paintings that captivated every viewer. O'Keeffe's flowers, magnifying tiny petals to fill the entire canvas, invite viewers to contemplate the internal structure and rhythm of flowers, unfolding her declaration that "people don't take the time to truly see flowers" into a visual universe.
In 1929, in her forties, O'Keeffe finally found the artistic sanctuary where her soul should rest. It was New Mexico. Red sandstone, black hills, the silent desert horizon, and wind-dried skeletons. She established a home and studio in Abiquiu and Ghost Ranch, where she painted the mountains and land countless times, expanding upon everything she loved and gazed upon.
In works like Summer Days, where cow skulls, zinnias, hollyhocks, and the desert horizon intersect within a single frame, she simultaneously portrayed death and life, desolation and abundance. Even as she lost her sight in her later years, she continued to explore the world with pencil, watercolor, and clay, continuing her efforts to see the world anew until she was nearly a century old.
▲ (Left) Georgia O'Keeffe Plate from The Dinner Party (Middle) Georgia O'Keeffe Table (Right) Georgia O'Keeffe Liner Source: Brooklyn Museum Official Website © Lee Il-young, Columnist
Georgia O'Keeffe, seated at the end of "The Dinner Party," represents a gaze that guides the course of human history, achieved by 38 women before her, into the future. Facing the audience at the end of the triangular table, her position is not only imbued with images of flowers, bones, and earth, but also with the gaze of a century of art history and a female artist who, through turbulent times, gazed upon the world. artwww@naver.com
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Author: Lee Il-young
Director of the Korean Art Center. Columnist. Poet.
