 ▲ 윤연준의 리사이틀 “움-SPROUTING” 연주자 좌로부터 윤연준(피아노). 김예지(해금). 김지혜(타악기) © 이일영 칼럼니스트 |
피아니스트이며 작곡가인 윤연준의 리사이틀 “움-SPROUTING” 2부 공연은 자작곡으로 구성된 프로젝트 공연이었다. 1부 공연이 음악가를 존재하게 한 공연이었다면 2부 공연은 음악가의 존재를 알리는 의미가 있었다.
2부 오프닝 곡은 자작곡 움(Um-SproutIng)과 무악(Muak-Shaman Dance)이었다. 업라이트 피아노로 연주된 자작곡 움(SproutIng)은 공연의 타이틀 곡으로 음악가가 군 전방부대에서 근무하면서 영내 교회의 허름한 업라이트 피아노 소리에서 영감을 받아 작곡한 곡이다. 이는 어려서부터 클래식 음악 속에서 호흡해 오던 삶을 벗어나 사방에서 들려오는 다양한 음악과 자연의 울림에 귀를 열게 되면서 음악가 스스로 새로운 움을 틔우게 된 의미를 담고 있다.
나아가 오랜 유학 생활을 통하여 자신의 정체성에 대한 많은 생각을 통하여 음악에서의 한국적인 것을 일깨운 의식의 씨앗에서 발아하는 움 틔움을 품은 음악이다. 업라이트 피아노의 수직으로 세워진 현의 울림 속에 생명의 숨결이 소중하게 돋아났다.
이어 그랜드 피아노로 옮겨가 연주한 곡은 무악(Shaman Dance)이었다. 전통 무속 신당 국사당이 있는 인왕산 자락 무악동에서 살았던 음악가는 멀리서 때로는 가까이 늘 들려오고 보았던 전통 무속 음악에 익숙해 있었다. 그 움직임과 기운을 표현하는 피아노 음악에 신명의 춤사위가 겹겹의 그림으로 펼쳐졌다.
이렇게 시작된 2부 공연은 김예지(해금), 김지혜(타악기) 노은실(목소리) 음악가와 협연으로 즉흥(Improvisation) 연주가 펼쳐졌다.
순간의 영감과 감정을 바탕으로 작곡된 악보에 얽매이지 않고 즉흥적인 음악을 만들어가는 흐름에서 음악이라는 기본적인 구조와 화성에 충실하면서도 창의적 표현이 경이로웠다.
특히 화성의 전개와 멜로디의 변형 그리고 리듬의 창조성으로 대표되는 피아노 연주의 즉흥성을 차분하게 절제한 윤연준 음악가의 연주는 인상적이었다. 필자의 생각에 깊은 울림과 애절한 음색이 특징인 전통 국악기 해금(김예지)이 전면에 드러나는 상황을 고려한 의식으로 살펴졌다.
나아가 가락(장단)을 주도하며 음악의 흐름을 조율하는 타악기 장구(김지혜)의 소금과 같은 역할이 빚어낸 즉흥의 서사를 목소리(노은실)로 승화시켜 함께 어우러진 즉흥연주는 예술이었다. 특정한 약속이 없이 서로의 소리에 반응하여 화성을 쌓아가며 절정으로 내달릴 때 달빛에 투영된 물빛처럼 가슴을 걸어오는 즉흥의 감성은 민족의 속살 같은 샤머니즘이 어른거렸다.
이러한 즉흥연주를 서곡 삼아 곧바로 이어진 음악이 있었다. 고즈넉한 기와지붕과 원주에 소재한 뮤지엄산 박물관의 결빙된 물의정원이 교차하는 영감에서 탄생한 작품 물밑 기와(Kiwa Underwater)였다. 김예지(해금), 김지혜(타악기) 노은실(목소리) 음악가와 협연으로 연주된 작품은 번잡한 도심을 벗어난 한적한 동네의 기와지붕이 고요한 물에 잠긴 풍경을 간결한 선율의 피아노 연주가 곡 전반부를 마치 한 폭의 동양화처럼 평온하게 그려냈다.
나아가 결빙되어 시린 물빛을 감춘 먹먹한 음색의 해금(김예지)이 어우러지고 오랜 동양화의 준법처럼 진한 먹빛의 점으로 그려지는 타악기(김지혜)의 울림을 붙잡고 세상의 정한을 신성한 수묵의 번짐으로 노래하는 목소리(노은실)에 한 폭의 그림이 그려졌다.
다음 연주곡은 작달(Downpour)이었다. 장대처럼 드세게 내리는 폭우와 같은 작달비를 말한다. 앞선 연주들이 수묵화를 그려가는 느낌과 달리 이 곡은 한 폭의 한글 서예 작품을 써 내려가는 느낌이 강하게 와닿았다.
연신 쏟아지는 비를 연상케 하는 반복적인 피아노 연주는 1446년 반포한 민족의 정신 훈민정음에서 한글의 자음과 모음을 만든 원리와 용법을 상세하게 설명한 해례본에서 사용한 최초의 한글 서체 판본체의 뿌리인 훈민정음 해례본 체의 정교한 느낌을 품고 있었다.
이어 해금(김예지) 연주는 나라의 책들을 목판과 세계 최초의 금속활자로 출판한 서체인 판본체와 같았다. 목판을 칼로 조각하는 예리함처럼 날을 세운 해금의 연주가 작달비의 거친 느낌을 고스란히 품었다. 이와 함께 등장한 타악기 장구(김지혜)는 1459년에 펴낸 훈민정음 본문의 한문을 한글로 해석한 훈민정음 언해본에 담긴 최초의 서체 궁체처럼 유려한 격조를 품고 있었다.
여기에 얹혀 드는 목소리(노은실)는 민중의 서체 민체였다. 민체란 왕실과 사대부 여인들이 사용한 궁체와 달리 민간에 널리 쓰인 서체를 말한다. 이렇듯 작달의 연주는 피아노와 해금, 그리고 타악기와 목소리가 서로를 지지하며 고요함 속에 쏟아지는 작달비 소리와 그 풍경을 써 내린 한 점의 경건한 서예 작품 자체였다.
2부 공연의 피날레 작품은 산명(Trembling Peaks)이었다. 메아리쳐오는 산울림까지도 끌어안은 거대한 산이 품은 신성한 울림을 뜻한다. 천천히 걸어오는 피아노 소리에 풀잎과 나뭇잎이 바스락대면 여기저기 온갖 동물이 귀를 세워 걸어오는 발걸음을 장구(김지혜)가 재촉하였다. 이어 전통 악기 해금(김예지)이 산중의 메신저처럼 지저귀는 새들을 부르면 세 명의 연주자는 계곡을 흐르는 물이 되어 넘실대고 산중을 휘도는 바람이 되어 세상을 넘나들었다.
공연의 앙코르곡은 영화 마지막 황제 음악으로 아시아 최초 아카데미 음악상을 받은 일본의 음악가 사카모토 류이치(1952~2023)의 대표곡 “천개의 칼”이었다. 1978년 솔로 앨범 타이틀곡으로 재즈와 클래식에서부터 신시사이저와 같은 전자 악기와 피아노를 중심으로 다양한 소리를 융합한 음악이다. 세 명의 연주자는 2부 공연에서 소통한 교감과 감성을 에너지로 드러내며 멋진 앙코르를 선사하였다.
윤연준 음악가의 깊은 의식과 음악성이 주목되는 공연이었다. 폭넓은 하모니와 음계의 연주가 가능한 피아노를 바탕으로 전통 악기 해금과 타악기 장구의 독립적인 선율을 조화와 균형으로 담아낸 공연이었다. 표현적인 해금 악기와 리듬감으로 덩어리진 타악기 장구의 상호작용에서 오는 특성을 깊숙하게 헤아린 의식이 깊숙하게 느껴졌다.
나아가 김예지 해금 연주자의 피아노와 장구의 선율에 즉흥적으로 반응하여 곡의 감정적 깊이를 쌓아간 역할의 기량은 놀라웠다. 특히 모든 곡의 중요 부분에서 절묘하게 음정을 조절하여 음악의 긴장감을 드높이면서 다양한 감정을 표현한 기량은 인간의 목소리와 같은 해금 악기의 진면목을 보여주었다.
해금 연주자 김예지는 특유의 힘 있는 터치와 섬세한 감성으로 전통과 즉흥 음악에서 현대 음악에 이르기까지 장르를 넘나드는 예술가이다. 특히 즉흥 음악에 대한 깊숙한 헤아림에서 소음과 음악의 경계를 실험하며 해금의 음악적 특성을 해체하는 작업에 몰두하였다. 현재 솔리스트이자 일렉트로 어쿠스틱 트리오 삼킴(saaamkiiim) 멤버로 활동하고 있으며, 2024 뉴욕 아트 오마이 국제 레지던시 프로그램 음악 부문 아티스트로 선정되었다.
또한, 타악기 장구 연주자 김지혜의 절제된 의식의 연주는 공연의 격조를 드높인 소중한 숨결과 같았다. 리듬과 장단의 중심인 악기의 특성을 전면에 세우지 않은 김지혜 연주자의 절제된 격조의 리듬은 청중과의 교감과 소통을 이끌어간 주역이었다. 전통적인 리듬의 정체성을 유지하면서도 현대적인 음악에 녹아든 기량은 완성에 가까웠다.
깊게 공명하는 저음에서부터 높은 음조에 이르기까지 광범위한 음향을 생성할 수 있는 악기의 능력을 절제의 미학으로 조율하여 역동적인 음향의 다양성을 깊은 울림으로 제시한 연주였다. 특히 음악의 흐름을 자연스럽게 프레이징한 기량이 깊숙하게 와닿았다.
김지혜는 전통음악 그룹 앙상블 시나위 창단 멤버로 다양한 프로젝트와 창작 무대를 통해 국내에서 활동하며 2012 KBS 국악 대상을 수상하였다. 영국을 비롯한 유럽에서 다양한 예술가와 협업하여 Somerset House, South Bank Centre, Palais de Tokyo에 초청되면서 장르의 경계가 없는 솔리스트로 평가받았다. 2019 런던 Art Night에 이어 베니스 비엔날레에 초청되어 퍼포먼스 아티스트로 이름을 알렸으며 현재 설치미술과 음악을 넘나드는 예술을 펼치고 있다.
 ▲ 윤연준의 리사이틀 “움-SPROUTING” 연주자와 스텝 © 이일영 칼럼니스트 |
또한, 이번 공연에서 유일하게 목소리로 협연한 아티스트의 소중함도 짚고 가야 할 내용이다. 즉흥 음악가이며 공연예술가로 활동하고 있는 노은실 아티스트는 “즉흥연주”와 “물밑 기와(Kiwa Underwater)”, “작달(Downpour)” 작품에서 협연하였다. 국악에서 전통 국악기 특유의 음색과 연주법을 입으로 표현하는 구음의 현대적 버전인 목소리로 음악을 표현하는 협연이었다.
노은실 예술가는 판소리를 전문적으로 공부하고 체코 국립예술학교 연극학부(DAMU) 인형극학과를 졸업한 아티스트이다. 그의 실험적인 보이스 퍼포먼스는 2018 체코 브르노 국제공연예술제, 2022 에든버러 프린지 페스티벌, 2023 오클랜드 아트페스티벌과 같은 세계 무대에서 주목을 받았다.
전통과 현대를 아우른 젊은 음악가들의 협연은 전통적인 유산을 현대적 감각으로 매만지며 경계를 허물고 새로운 소통을 일깨웠다. 이들은 새로운 사회적 가치를 창출하는 중요한 인재들이다. 이에 새로운 예술적 가능성을 열어젖힌 협연이 품은 미래지향적 발전을 위한 관심은 우리의 몫이다. artwww@naver.com
필자: 이일영
한국미술센터 관장. 칼럼니스트. 시인.
*아래는 위 기사를 '구글 번역'으로 번역한 영문 기사의 [전문]입니다. '구글번역'은 이해도 높이기를 위해 노력하고 있습니다. 영문 번역에 오류가 있을 수 있음을 전제로 합니다.<*The following is [the full text] of the English article translated by 'Google Translate'. 'Google Translate' is working hard to improve understanding. It is assumed that there may be errors in the English translation.>
Review, Yoon Yeon-jun’s Recital “Um-SPROUTING” Part 2
- Lee Il-young Columnist
Pianist and composer Yoon Yeon-jun’s recital “Um-SPROUTING” Part 2 was a project performance consisting of his own compositions. If Part 1 was a performance that made the musician exist, Part 2 was meaningful in making the musician’s existence known.
The opening songs for Part 2 were his own compositions, Um (SproutIng) and Muak (Muak-Shaman Dance). The self-composed piece, Um (SproutIng), played on an upright piano, is the title song of the performance, and was composed by the musician while serving in a military unit, inspired by the sound of a shabby upright piano in a church. It contains the meaning that the musician himself began to open his ears to various music and the sounds of nature from all around him, breaking away from the life he had been breathing in classical music since childhood.
Furthermore, through his long study abroad, he thought a lot about his own identity, and this music contains the sprouting energy from the seeds of consciousness that awakened the Koreanness in music. The breath of life was preciously born in the sound of the vertical strings of the upright piano.
The next piece he played on the grand piano was Shaman Dance. The musician, who lived in Muak-dong at the foot of Inwangsan Mountain, where the traditional shaman shrine, Guksadang, is located, was familiar with traditional shaman music that he had always heard and seen from afar and sometimes up close. The piano music that expressed the movement and energy unfolded as a picture of the dance of the spirit.
The second part of the performance that began like this was an improvisational performance in collaboration with musicians Kim Ye-ji (haegeum), Kim Ji-hye (percussion), and Noh Eun-sil (voice).
In the flow of creating impromptu music based on the inspiration and emotions of the moment, without being bound by the score, the creative expression while remaining faithful to the basic structure and harmony of music was amazing.
In particular, the performance of musician Yun Yeon-jun, who calmly restrained the impromptu nature of piano playing represented by the development of harmony, the transformation of melody, and the creativity of rhythm, was impressive. In my opinion, it was examined as a ritual that took into account the situation in which the traditional Korean instrument Haegeum (Kim Ye-ji), which is characterized by deep resonance and sorrowful tone, was brought to the forefront.
Furthermore, the impromptu performance that sublimated the narrative of impromptu play created by the salt-like role of the percussion instrument Janggu (Kim Ji-hye), which leads the rhythm (rhythm) and adjusts the flow of music, into the voice (No Eun-sil), was an art. When they responded to each other's sounds without any specific promise and built up harmony and ran to the climax, the emotion of impromptu play that walked the heart like water reflected in the moonlight was like the shamanism of the people's flesh.
This improvisation was followed immediately by music. The piece Kiwa Underwater was born from the inspiration of the intersection of the quiet tiled roof and the frozen water garden of the Museum San Museum in Wonju. The piece, performed in collaboration with musicians Kim Ye-ji (haegeum), Kim Ji-hye (percussion), and Noh Eun-sil (voice), depicts the scenery of a quiet neighborhood away from the bustling city center with tiled roofs submerged in calm water, with simple piano melody, and the first half of the piece is as calm as an oriental painting.
Furthermore, the haegeum (Kim Ye-ji) with a melancholic tone that hides the frozen water color and the percussion instrument (Kim Ji-hye) drawn with dots of deep ink like the old oriental painting rules, and the voice (Noh Eun-sil) singing the world’s sorrow with sacred ink and wash paints a picture.
The next piece was Downpour. It refers to a heavy downpour like a heavy rain that falls like a pole. Unlike the previous pieces that felt like a painting in ink and wash, this piece strongly felt like writing a piece of Korean calligraphy.
The repetitive piano performance that reminded me of pouring rain had the sophisticated feel of the Hunminjeongeum Haeryebon font, the root of the first Korean font, the Haeryebon font, which explained in detail the principles and usage of the consonants and vowels of Hangeul in the Hunminjeongeum, the spirit of the nation, promulgated in 1446.
The Haegeum (Kim Ye-ji) performance that followed was like the font used to publish the country's books with woodblocks and the world's first metal type. The Haegeum performance, sharpened like the sharpness of carving a woodblock with a knife, fully captured the rough feel of the Haegeum. The percussion instrument janggu (Kim Ji-hye) that appeared along with this had a graceful tone like the first font, Gungche, which was included in the Hunminjeongeum Eonhaebon, which translated the Chinese characters of the Hunminjeongeum text published in 1459 into Hangul.
The voice (No Eun-sil) added to it was Minche, the font of the common people. Minche refers to a font widely used by the common people, unlike Gungche, which was used by the royal family and women of the nobility. In this way, the performance of Jakdal was a sacred work of calligraphy itself, in which the piano, haegeum, percussion instruments, and voice supported each other, and the sound of Jakdal rain pouring down in silence and the scenery were written.
The finale piece of the second part of the performance was Sanmyeong (Trembling Peaks). It means the sacred sound of a huge mountain that even embraces the echoing mountain sound. As the sound of the piano slowly walked by, the grass and leaves rustled, and all kinds of animals pricked up their ears and walked, and Janggu (Kim Ji-hye) urged them on. Then, when the traditional instrument Haegeum (Kim Ye-ji) called out to the chirping birds like a messenger in the mountains, the three musicians became the water flowing through the valley, overflowing, and the wind blowing through the mountains, going back and forth between the world.
The encore song of the performance was “A Thousand Swords,” a representative song by Japanese musician Ryuichi Sakamoto (1952-2023), who was the first Asian to receive the Academy Award for Best Original Score for the film The Last Emperor. It was the title song of his 1978 solo album, and it is music that fuses various sounds from jazz and classical to electronic instruments such as synthesizers and piano. The three musicians presented a wonderful encore, expressing the communication and emotions they communicated in the second part of the performance with energy.
It was a performance that drew attention to the deep consciousness and musicality of musician Yun Yeon-jun. It was a performance that contained the independent melodies of the traditional instrument Haegeum and the percussion instrument Janggu with harmony and balance based on the piano, which can play a wide range of harmonies and scales. The deep awareness of the characteristics of the interaction between the expressive haegeum instrument and the rhythmically packed percussion instrument janggu was deeply felt.
Furthermore, the skill of Haegeum player Kim Ye-ji in improvising the melody of the piano and janggu and building up the emotional depth of the song was amazing. In particular, the skill of expressing various emotions while heightening the tension of the music by exquisitely controlling the pitch in important parts of all songs showed the true nature of the haegeum instrument, which is like the human voice.
Haegeum player Kim Ye-ji is an artist who crosses genres from traditional and improvised music to contemporary music with her unique powerful touch and delicate sensibility. In particular, she has devoted herself to the work of deconstructing the musical characteristics of the haegeum by experimenting with the boundaries between noise and music in her deep understanding of improvised music. She is currently a soloist and member of the electro-acoustic trio saaamkiiim, and was selected as an artist in the music category of the 2024 New York Art Oh My International Residency Program.
In addition, the restrained and conscious performance of percussionist Janggu Kim Ji-hye was like a precious breath that heightened the level of the performance. Kim Ji-hye’s restrained and refined rhythm, which did not put the characteristics of the instrument, which is the center of rhythm and rhythm, at the forefront, was the main character that led to communication and interaction with the audience. Her skill in maintaining the identity of traditional rhythm while incorporating it into modern music was close to perfection.
It was a performance that presented the diversity of dynamic sounds with deep resonance by adjusting the ability of the instrument to produce a wide range of sounds from deep resonant low notes to high notes with the aesthetics of restraint. In particular, her skill in naturally phrasing the flow of the music was deeply touching.
Kim Ji-hye is a founding member of the traditional music group Ensemble Sinawi, and has been active in Korea through various projects and creative stages, winning the 2012 KBS Traditional Korean Music Award. She has been evaluated as a soloist without genre boundaries, having collaborated with various artists in the UK and Europe and been invited to Somerset House, South Bank Centre, and Palais de Tokyo. Following the 2019 London Art Night, she was invited to the Venice Biennale and made a name for herself as a performance artist. She is currently performing art that crosses between installation art and music.
▲ Performer and staff of Yoon Yeon-jun’s recital “Um-SPROUTING” © Columnist Lee Il-young
In addition, the importance of the only artist who collaborated with her voice in this performance should be mentioned. Artist Noh Eun-sil, who is an improvisational musician and performance artist, collaborated with her in “Improvisation,” “Kiwa Underwater,” and “Downpour.” It was a collaboration that expressed music with her voice, a modern version of oral expression, which expresses the unique tone and performance method of traditional Korean instruments with her mouth.
Artist Noh Eun-sil is an artist who studied pansori and graduated from the puppetry department of the Czech National Academy of Arts (DAMU). His experimental voice performances have attracted attention on world stages such as the 2018 Brno International Performing Arts Festival in Czech Republic, the 2022 Edinburgh Fringe Festival, and the 2023 Auckland Arts Festival.
The collaboration of young musicians who embrace tradition and modernity has broken down boundaries and awakened new communication by touching on traditional heritage with a modern sensibility. They are important talents who create new social values. Accordingly, it is our responsibility to pay attention to the future-oriented development of the collaboration that opens up new artistic possibilities. artwww@naver.com
Author: Lee Il-young
Director of the Korea Art Center. Columnist. Poet
