 ▲ 서울 연희동 딥 인더스트리 카페 퀸텟(Quintet) 공연–김도연 음악가와 세계적 연주자들의 협연. 사진 제공: Photographer 김윤경 © 이일영 칼럼니스트 |
지난 9월 1일 저녁 서울 연희동의 작은 카페 공간 딥 인더스트리에 다섯 악기가 한 호흡으로 살아 있었다. 숨결처럼 쌓아 올리는 한국의 대표적인 개량 전통악기 25현 가야금의 울림 위로 트럼펫의 금빛 파편이 별빛처럼 흩날렸다. 깊은 어둠을 어루만지는 베이스의 낮은 숨결을 따라 실타래처럼 이야기를 풀어가는 피아노 선율이 번져갔다. 심장의 박동 같은 드럼의 리듬은 작은 카페를 흔들며 뉴욕의 실험적 음악을 생생하게 불러왔다.
우리의 전통 악기 가야금을 들고 미국으로 건너가 우리의 것으로 빛나는 울림을 전하고 있는 김도연 음악가와 뉴욕 다운타운에서 세계적으로 명성이 높은 연주자들이 서울의 작은 카페에서 한 무대에 오른 장면은 그 자체로 놀라웠다.
공연을 주도한 가야금 연주자 김도연의 오프닝 인사말에 고개가 끄덕여졌다. 그는 지난 8월 29일부터 31일까지 광주 국립아시아문화전당에서 열린 세계 음악 축제 ‘2025 엑스뮤직페스티벌’의 개막 공연 ‘X의 제전’ 음악감독으로 초청되었다. 김도연은 국적과 장르가 다른 아티스트를 이끌고 전통과 현대가 국경 없이 어우러진 특별한 무대를 펼쳤다.
개막 공연 ‘X의 제전’에서 호흡을 맞춘 국내 음악가는 판소리 국악인 배일동, 재즈 보컬리스트 전송이, 대금 연주자 송지윤, 소리꾼 방수미, 국악 그룹 힐금, 사운드 아트 그룹 COR3A, 전주판소리합창단이었다. 함께한 해외 연주자는 피아노 ‘필립 골럽(Philip Golub)’, 트럼펫 ‘피터 에반스(Peter Evans)’, 베이스 ‘샘 미나이(Sam Minaie)’, 타악기 ‘사토시 다케이시(Satoshi Takeish
I)’ 색소폰 연주자 ‘제레미 비너(Jeremy Viner)’였다.
‘X의 제전’은 ‘X’를 모티브로 문화 간의 교류(Cross-Culture), 국경 초월(Borderless), 미지의 예술(Undiscovered Arts)을 노래했다. 이는 수학의 미지수, 좌표의 교차점, 고대 지도 속 보물의 표식과 같은 결합과 확장의 기호처럼 ‘X’는 서로 다른 문화와 예술이 만나는 자리에서 새로운 발견과 창조를 상징하였다.
특히 5부작 서사로 구성된 음악 퀸텟(Quintet)은 처음엔 잡히지 않는 형체 같았으나 밀물과 썰물이 교차하듯 국악과 현대 음악이 만나 빚어낸 감성으로 설득력을 얻었다.
김도연 음악가는 서울대 국악과를 졸업하고 미국으로 건너가 뉴잉글랜드 음악원에서 ‘현대 즉흥 음악’ 석사, 버클리 글로벌 재즈 인스티튜트에서 석사 과정을 마쳤다. 그녀는 2021년, 그래미상을 주관하는 GRAMMY.com의 ‘고대 아시아 악기의 미래를 개척하는 7인의 음악가’ 중 한 명으로 선정되었다. 당시 공식 해설은 전통의 울림을 재즈와 즉흥, 현대 음악의 문법 속에 자연스럽게 녹여내며 악기의 경계를 넘어서는 아티스트라고 평가했다. 나아가 올해 2025 넥스트 재즈 레거시(Next Jazz Legacy) 펠로우로 선정되는 쾌거를 이루었다.
이번 연희동 공연은 5부작 음악 퀸텟(Quintet)의 앙코르 격 자리였다. 지방 광주에서 열린 까닭에 미처 참석하지 못한 지인들과 음악인들을 위한 공연이었다.
 ▲ (좌-상) 피아노연주자 ‘필립 골럽(Philip Golub)’, (우-상) 트럼펫연주자 ‘피터 에반스(Peter Evans)’, (좌-하) 베이스 ‘샘 미나이(Sam Minaie)’, (우-하) 타악기연주자 ‘사토시 다케이시(Satoshi Takeish, 사진 제공: Photographer 김윤경 © 이일영 칼럼니스트 |
김도연 음악가를 인터뷰하면서 알게 된 공연 음악 퀸텟(Quintet)에 담긴 사연은 깊었다. 보스턴 유학 초기에 의지할 곳 없었던 김도연은 조각가 피터 하인즈(Peter Haines)와 번역가로 활동하는 한국인 남세교 시인 부부를 만났다. 1년여간 그 집에서 지내며 공부하였을 때 하인즈 부부는 제2의 부모와 같았다. 하인즈 조각가의 따뜻한 사랑은 그가 미국 생활을 견뎌낸 힘이었으며 특히 사유의 감성에 대한 소통은 오늘의 음악가로 존재하게 한 바탕이었다. 이렇듯 나무와 같았던 존재 하인즈 조각가가 지난해 10월 세상을 떠났다.
김도연 음악가는 자신을 지켜주고 의지했던 나무와 같았던 분의 상실에서 출발하여 5부작 서사 음악 퀸텟(Quintet)을 썼다.
1. ‘이 문을 어떻게 여나요(How do you open this door)’는 가장 가까운 이의 죽음 앞에서 터져 나온 원망과 하소연이다. 2. ‘저 문들을 어떻게 닫나요(How do you close those doors)’는 생생한 기억과 더는 존재하지 않는 현실에 대한 혼란을 표현한 곡이다. 3. ‘내 가슴에 흩어진 재(Scattered ashes in my heart)’는 한 줌 재를 흩뿌리며 노래하는 음악이다. 특히 이 음악은 대중적인 발라드 음악으로 작곡하여 김도연 음악가가 직접 노래하였다.
4. ‘찢어진: 빛과 어둠(Torn: Light and Darkness)’은 이별의 길을 어둠으로 두지 않으려는 의식 속에 생명력을 잃지 않은 힘찬 리듬을 품고 있다. 5. ‘그을음(Scorch)’은 죽음을 상징하는 4박과 윤회를 기원하는 7박 리듬이 반복되는 강렬한 피날레 음악이다. 특히 뮤트 플레이의 귀재 트럼펫 연주자 피터 에반스의 솔로 연주는 뜨거운 호흡으로 죽음을 그려냈다. 이어 사토 다케이시의 드럼이 그려낸 윤회의 영혼으로 다시 돌아오는 서사는 대지와 하늘의 울림이었다.
서사의 음악 퀸텟(Quintet)의 연주는 이렇게 이어졌다. 피아니스트 필립 골럽(Phillip Golub)은 뿌리 깊은 전통을 품은 채 무한히 확장되는 선율로 공간을 채웠다. 몽크의 비틀린 화음, 스크랴빈의 색채, 세실 테일러의 자유가 한 몸처럼 겹쳐 들었다. 베이시스트 샘 미나이는 폴리리듬의 정신을 품어 베이스를 저음의 그릇을 넘어 가슴을 파고드는 외침으로 확장했다. 트럼펫의 피터 에반스는 뮤트로 음색을 조형하며 숨과 쇳결이 뒤섞인 즉흥의 호흡을 그렸다. 타악기 연주자 사토시 다케이시는 남미, 중동, 아시아의 리듬을 직조하며 작은 카페를 국경 없는 사유의 공간으로 바꾸었다.
 ▲ 서울 연희동 딥 인더스트리 카페 퀸텟(Quintet) 공연에서 김도연 음악가의 가야금 연주 장면, 사진 제공: Photographer 김윤경 © 이일영 칼럼니스트 |
깊은 밤, 연희동 작은 카페에 울려 퍼진 세계적인 현대 음악가들의 공연은 깊은 감성이 옷깃을 여미게 하였다. 특히 김도연 음악가의 국경이 없는 음악이 주는 비전은 뛰어난 즉흥성에서 크게 느껴지는 점이 많았다. 협연한 음악가들 모두가 뛰어난 기량과 즉흥이라는 화두를 깊숙하게 품은 현대 음악의 귀재들이다. 이러한 관점에서 서양 음악에서는 접할 수 없는 깊은 심연의 감성을 전하는 김도연 음악가의 즉흥성은 놀라웠다.
나아가 서양 악기와 달리 우리의 전통악기 가야금이 낮은 배음의 특성으로 서양 악기의 소리에 가려지는 문제를 특유의 퍼포먼스로 극복하는 지혜의 감성이 특별하였다. 이는 예술에서 가장 근원적이면서도 간과하기 쉬운 조화와 균형의 미학을 깊숙하게 품고 있음을 의미한다.
긴 인터뷰 끝에 앞으로 어떤 음악을 추구할 것인가! 라는 물음에 그녀는 “세상에 손을 내미는 음악을 추구하려 합니다.”라고 답했다. 이어 “이번에 선보인 퀸텟(Quintet) 음악도 나 개인의 관계에서 맞이한 죽음에서 비롯되었지만, 결국 누구나 겪게 되는 보편적 문제에 대한 성찰이자 그에 응답하려는 출발입니다.”라고 덧붙였다.
음악가의 공연에 대한 글을 마무리하며 떠오른 시가 있었다, T. S. 엘리엇(1888~1965)의 장시 네 개의 사중주(Four Quartets) 가운데 하나인 영국 서머싯의 작은 마을 이름을 딴 ‘이스트 코커(East Coker)’의 한 구절이다. 시인은 인간의 탄생과 죽음, 그리고 재생의 순환을 이렇게 노래하였다.
“나의 끝은 나의 시작 속에 있다.(In my end is my beginning).” artwww@naver.com
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필자: 이일영
한국미술센터 관장. 칼럼니스트. 시인
 ▲ 필자: 이일영 ©이일영 칼럼니스트 |
*아래는 위 기사를 '구글 번역'으로 번역한 영문 기사의 [전문]입니다. '구글번역'은 이해도 높이기를 위해 노력하고 있습니다. 영문 번역에 오류가 있을 수 있음을 전제로 합니다.<*The following is [the full text] of the English article translated by 'Google Translate'. 'Google Translate' is working hard to improve understanding. It is assumed that there may be errors in the English translation.>
On the evening of September 1st, five instruments were alive and breathing in unison at Deep Industry, a small café in Yeonhui-dong, Seoul. Golden shards of trumpet fluttered like starlight above the resonance of the 25-string gayageum, a representative Korean modified traditional instrument, which builds like breath. A piano melody, threading a story like a thread, spread along the low breath of the bass, caressing the deep darkness. The drum rhythm, like a heartbeat, shook the small café, vividly bringing New York's experimental music to life.
The sight of Kim Do-yeon, a musician who brought the gayageum to America with him and is now sharing its radiant sound with the world, alongside world-renowned performers from downtown New York, sharing a stage in a small Seoul café was a remarkable experience in itself.
I nodded at the opening remarks of gayageum player Kim Do-yeon, who led the performance. He was invited as the musical director for "X's Ritual," the opening performance of the "2025 X Music Festival," a world music festival held at the Gwangju Asia Culture Center from August 29th to 31st. Kim Do-yeon led artists of diverse nationalities and genres, creating a unique performance that seamlessly blended tradition and modernity.
Korean musicians who performed at the opening performance, "X's Ritual," included pansori musician Bae Il-dong, jazz vocalist Song Song-i, daegeum player Song Ji-yoon, singer Bang Su-mi, gugak group Hillgeum, sound art group COR3A, and the Jeonju Pansori Choir. Joining them from abroad were pianist Philip Golub, trumpeter Peter Evans, bassist Sam Minaie, percussionist Satoshi Takeishi
I, and saxophonist Jeremy Viner.
"X Festival" evokes cross-cultural exchange, borderlessness, and undiscovered arts, using the motif of "X." Like the unknown in mathematics, the intersection of coordinates, and the markers of treasures on ancient maps—a symbol of union and expansion—the "X" symbolizes new discoveries and creations at the intersection of different cultures and arts.
In particular, the five-part narrative musical quintet initially seemed elusive, but its sensibility, born from the interplay of Korean traditional music and contemporary music, like the ebb and flow of the tides, became compelling.
Musician Kim Do-yeon graduated from Seoul National University's Department of Korean Music and moved to the United States, where she earned a master's degree in "Contemporary Improvisation" from the New England Conservatory of Music and a master's degree from the Berklee Global Jazz Institute. In 2021, she was selected as one of "Seven Musicians Pioneering the Future of Ancient Asian Instruments" by GRAMMY.com, the organizer of the Grammy Awards. The official commentary at the time praised him as an artist who transcended the boundaries of his instrument, seamlessly incorporating traditional resonances into the grammar of jazz, improvisation, and contemporary music. Furthermore, he achieved the remarkable feat of being selected as a 2025 Next Jazz Legacy Fellow.
This Yeonhui-dong performance served as an encore for the five-part music quintet. It was a performance for friends and musicians who could not attend the previous one, held in Gwangju.
The story behind the performance music quintet, as revealed through interviewing musician Kim Do-yeon, was profound. Early in her studies in Boston, Kim Do-yeon, feeling left with nowhere to turn, met sculptor Peter Haines and poet Nam Se-gyo, a Korean translator and his wife. The Haineses became like second parents to her, living and studying in their home for a year. The warm love of Heinz Sculptor was the strength that sustained him through his life in America, and his communication of the sensibilities of thought, in particular, was the foundation upon which he emerged as the musician he is today. Heinz Sculptor, a man as arboreal as a tree, passed away last October.
Musician Kim Do-yeon wrote a five-part narrative music quintet, inspired by the loss of someone who protected and supported her like a tree.
1. "How Do You Open This Door" is a song about resentment and lamentation unleashed upon the death of someone close to her. 2. "How Do You Close Those Doors" expresses vivid memories and the confusion of a reality that no longer exists. 3. "Scattered Ashes in My Heart" is a song sung while scattering handfuls of ashes. This piece was composed as a popular ballad and sung by Kim Do-yeon herself.
4. "Torn: Light and Darkness" embodies a powerful rhythm that retains vitality amidst the consciousness of not allowing the path of separation to become dark. 5. "Scorch" is a powerful finale piece, combining a four-beat rhythm symbolizing death with a seven-beat rhythm that prays for reincarnation. The solo performance by Peter Evans, a master of mute play, trumpeter, particularly depicted death with passionate breath. Next, Takeishi Sato's drums, depicting the soul's return to reincarnation, echoed the resonance of earth and sky.
The Quintet's performance of epic music continued like this. Pianist Phillip Golub filled the space with infinitely expanding melodies, steeped in deep tradition. Monk's twisted chords, Scriabin's colors, and Cecil Taylor's freedom all overlapped as one. Bassist Sam Minai, embracing the spirit of polyrhythms, expanded the bass beyond mere low notes into a heart-wrenching cry. Trumpeter Peter Evans shaped his tone with mutes, capturing the improvisational breaths of breath and metal. Percussionist Satoshi Takeishi weaved rhythms from South America, the Middle East, and Asia, transforming a small café into a borderless space of contemplation.
Deep into the night, the performances of world-renowned contemporary musicians resonated through a small café in Yeonhui-dong, captivating with profound emotion. The vision of Kim Do-yeon's borderless music was particularly evident in her exceptional improvisational style. All of the collaborating musicians are masters of contemporary music, possessing exceptional skill and a profound understanding of improvisation. From this perspective, Kim Do-yeon's improvisational prowess, conveying a profound depth of emotion rarely encountered in Western music, was astonishing.
Furthermore, unlike Western instruments, the gayageum's low harmonic nature makes it difficult for it to be overshadowed by Western instruments. This unique performance demonstrates a profound wisdom and sensitivity. This demonstrates that it deeply embodies the aesthetics of harmony and balance, the most fundamental yet often overlooked elements of art.
At the end of the lengthy interview, when asked what kind of music she will pursue in the future, she replied, "I seek music that reaches out to the world." She added, "The music I presented in the Quintet this time also stemmed from the death I faced in my personal relationships, but it is ultimately a reflection on universal issues we all face, and a starting point for responding to them."
As I concluded my essay on the musician's performance, a poem came to mind: "East Coker," one of T. S. Eliot's (1888-1965) long poems, "Four Quartets," named after a small village in Somerset, England. The poet sang of the cycle of human birth, death, and rebirth:
"In my end is my beginning." artwww@naver.com
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Author: Lee Il-young
Director, Korean Art Center. Columnist. Poet
