 ▲ (사)세계 판소리협회 제1회 워크숍 장면 © 이일영 칼럼니스트 |
폭설처럼 퍼부은 첫눈의 뒤끝이 가시지 않은 5일(금요일) 오후 멀리 남도 신안의 섬 자은도에서 상경한 조풍류 화가, 국악타임즈 송혜근 대표, 이태양 미술가와 인사동에서 만나 (사)세계 판소리협회 제1회 워크숍이 열리는 치악산 기슭에 자리한 공간 ‘채수정 판소리 마을’을 찾아갔다.
치악산 자락은 아직 아득한데, 산등성이에 붉은빛 가만히 적신 슈퍼문으로 등장한 달을 보며 합창하듯 터져 나온 탄성 속에 겨울밤 어둠이 이르게 밀려왔다. 초행길을 더듬어 도착한 곳은 천혜의 자연공간이었다.
늦은 동행을 따뜻하게 반겨주는 인사를 추스르기도 전에 재촉하여 숟가락만 들어야 했던 만찬은 화목 난로 불꽃처럼 따뜻하였다. 그러나 만찬 후 곧바로 시작된 워크숍은 재촉한 만찬의 이유를 금방 일깨우게 하였다. 예인들의 열띤 토론은 겨울 산자락의 맑은 결빙마저도 멈추게 할 만큼 뜨거웠다.
 ▲ 세계 판소리협회 주최 제1회 월드판소리 페스티벌 주요 내용 © 이일영 칼럼니스트 |
세계 판소리협회(이사장 채수정)는 2021년 12월, 민족의 전통 예술정신인 판소리의 보존과 진흥을 위해 한예종 교수 채수정 명창을 중심으로 동료와 제자들이 뜻을 모아 이듬해 2022년 2월 서울시 비영리법인 설립 허가를 받으며 첫걸음을 내디뎠다. 같은 해 6월 기획재정부 지정기부금 단체로 승격되면서 공익 단체로서 학술·문화 프로그램을 본격적으로 추진할 제도적 기반을 구축하였다. 이러한 토대 위에서 9월에 ‘판소리 세계화의 현황과 미래 전략’을 주제로 제1회 학술대회를 개최하였다.
올해로 출범 3주년을 맞은 세계 판소리 협회가 걸어온 길을 헤아리면 짧은 시간 속에서도 얼마나 의미 깊은 발자취를 남겨왔는지를 실감하게 된다. 오늘 워크숍에서는 올해의 활동에 대한 자체 평가와 내년도 활동에 대한 다양한 의견이 쏟아졌다. 특히 전통 판소리가 K팝처럼 쉽게 소통되기 어려운 지점을 둘러싼 토론이 이어지면서 열기는 더욱 고조되었다. 판소리 고유의 감성과 언어 구조가 건너야 할 강처럼 가로놓여 있다는 사실이 한층 더 분명해지는 순간이었다.
다양한 의견 중 자신의 경험을 바탕으로 판소리합창단이 판소리 세계화에 주요한 디딤돌일 수 있음을 설명하는 토론자가 있었다. 김수미 소리꾼이었다. 그녀의 설명은 오래 묵혀두었던 생각을 불현듯 되살려 놓았다. 여러 계기를 통해 박동실제 소리를 전수한 김수미 소리꾼의 소리를 유심히 들었던 기억이 있었다. 필자는 80년대 중반 오랜 지인에게서 요절 가수 김정호에 관한 여러 이야기를 접하면서 가수의 외할아버지가 박동실(1903~1982) 명창으로 월북한 사실을 알았다. 이후 90년대 초반 일본에서 박동실 관련 자료를 접하고 명창이 남긴 소리의 흐름을 살핀 적이 있었다.
잠시 이 흐름을 정리할 필요가 있다. 조선 후기 국악사를 관통한 소리꾼 이날치(1818~1895)는 서편제의 정통을 세운 명창이었다. 그는 거대한 성량과 치밀한 호흡을 바탕으로 성음의 흐름과 더늠의 변주와 장단의 감정 구조를 정교하게 결합해 이른바 ‘통성(通聲) 창법’이라는 독자적 발성 체계를 완성한 명인이다. 이는 ‘들판을 울린다’라는 표현으로 역사에 남았을 만큼 서편제 심청가의 골격을 세웠다.
이어 제자 김채만(1873~1948)은 스승의 통성을 바탕으로 자신의 섬세한 감성을 더해 서편제 특유의 절제된 서정성을 추구하였다. 대목과 창법, 장단의 흐름을 한층 다듬어 오늘날 연구자들이 ‘서편제 심청가 미학의 결정체’라고 평가하는 것이다.
이와 같은 소리의 역사를 이어받은 소리꾼이 박동실(1903~1982)이었다. 그는 김채만에게서 심청가를 전수하여 맺고 끊음이 분명한 창법과 극적인 감정의 밀고 당기기라는 독창적 표현력으로 박동실제 심청가를 남겼다. 월북이라는 질곡의 역사 속에서 그의 소리는 미완의 문제를 안고 있지만, 주요한 대목에서 비켜 갈 수 없는 소리로 전해졌다.
이러한 역사를 고스란히 전한 소리꾼이 전남 곡성에서 태어난 여성 명창 장월중선(1925~1998)이다. 13세 무렵부터 박동실 명창 문하에서 심청가의 중심 흐름과 뼈대를 익힌 그녀는 1952년 목포 산정동 노인당에 국악강습소를 열었다. 이를 바탕으로 1955년 행남자기로 잘 알려진 당시 목포의 대표 기업인 행남사 창업자 김창훈(1896~1967) 회장의 후원을 받아 목포국악원이 세워졌다. 이후 1960년 국악원이 유달국악원으로 개칭되었다. 1969년 국제관광공사(현 한국관광공사)가 경주에 관광인력개발원 호텔학교를 개교하며 전통 판소리 강사로 장월중선 명창을 초빙하였다. 이는 그녀가 경주에서 활동을 이어가게 된 배경이 되었다.
박동실제 심청가를 장월중선 명창의 막내 제자로서 이어받은 김수미 소리꾼은 다양한 소리 영역에서 실기와 이론이 두터운 소리꾼이다. 그가 판소리의 세계화에 판소리합창단을 제안한 내용은 인류사의 음악이 흘러온 줄기를 희미하게 살펴본 필자의 관점에서 깊숙하게 와 닿았다.
 ▲ 세계 판소리협회 주최 제2회 월드판소리 페스티벌 주요 내용 © 이일영 칼럼니스트 |
인류 음악의 오랜 역사에서 합창이라는 형식은 인류 공동체가 정체성과 감정을 확인하는 가장 오랜 그릇이었다. 나아가 음악의 발전에 핵심적인 구조였다. 서양 음악사에서 합창의 기원을 실체적 기록으로 확인하면 기원전 6세기 말 무렵 고대 그리스 디오니소스 축제에서 주요한 합창시(合唱詩) 경연대회인 ‘디티람보스 아곤(Διθύραμβος Ἀγών)’을 살피게 된다.
당시 10개 주요 도시 부족이 50명 규모의 소년 합창단과 소녀 합창단을 출전시켜 매년 경쟁한 대회였다. 신화를 바탕으로 구성된 이야기 형식의 합창 시 ‘디티람보스’를 노래한 것이다. 이와 같은 역사는 중세 수도원의 성가까지 인간은 언제나 여러 목소리가 한 울림을 이루는 순간에 공동체적 신성과 감정의 결속을 이루어 왔다. 특히 중세 그레고리오 성가에서 시작된 다성음악의 태동은 서로 다른 음의 높이를 가진 목소리가 충돌과 화해를 반복하며 독립된 선율을 만들어내는 방식으로 발전했다.
훗날 대위법의 정수를 관통한 르네상스 후기 교회음악의 거장 조반니 팔레스트리나(1525~1594)와 한층 독자적인 예술적 성취를 이룬 ‘토마스 빅토리아(1548~1611)’의 장엄한 합창 음악으로 이어진 역사이다. 이는 신을 향한 기도의 언어를 합창의 울림으로 전하여 공동체의 정체성을 확인한 것이다. 나아가 서양 음악의 등불을 밝힌 근원이었다.
르네상스를 지나 바로크 시기로 넘어오면 합창은 더욱 구조적이며 서사적인 힘을 갖게 된다. 바흐의 칸타타와 수난곡은 개개인의 신앙과 공동체의 역사를 동시에 울리는 장대한 음악이 되었으며 합창이야말로 개인의 목소리를 넘어 시대의 정신과 내면을 담아내는 그릇이라는 사실을 증명하였다. 이어 고전주의와 낭만주의를 지나면서 합창은 하나의 예술 장르로서 절정에 이르러 베토벤의 ‘합창 교향곡’은 음악사에 처음으로 ‘인간의 목소리’를 심포니의 정점으로 끌어올리면서 합창이 문명사의 이정표가 될 수 있음을 증명한 것이다.
그 이후 합창은 민족의 서사, 종교의 신앙, 공동체의 정체성, 국가의 기념비적 사건 등 어느 시대와 공간에서도 빠진 적이 없는 근원적 예술 형식으로 정착하였다. 이는 합창은 단순히 여러 사람이 함께 부르는 노래가 아닌 인간이 인간에게 전하고자 했던 가장 집단적이고 서사적인 감정의 구조라는 사실을 오랜 역사에서 일깨운 지혜의 하나였다.
 ▲ 세계 판소리협회 주최 제3회 월드판소리 페스티벌 주요 내용 © 이일영 칼럼니스트 |
이번 워크숍에서 전통 판소리의 세계화 문제를 가장 가까운 자리에서 마주하는 예인들이 판소리합창단의 필요성을 깊게 인식했다는 점은 의미심장하다. 공동체적 울림을 추구하는 점에서 판소리와 합창은 다를 수 없지만 음악적 구조는 본질적으로 다르다. 판소리는 독창을 중심으로 시김새와 더늠, 그리고 유동적인 장단이 어우러져 자연스러운 흔들림을 이루는 음악이다. 합창은 여러 성부가 일정한 음높이와 화성을 유지하며 규칙적 박자 속에서 집단적 울림을 쌓아가는 예술이다.
우리말의 높낮이와 장단을 품은 판소리의 발성은 서양 장음계·발성 체계와도 달라, 즉흥성과 변이성이 중요한 판소리를 악보 중심의 합창 구조 속에 조화시키는 일은 필연적으로 핵심적 과제가 된다. 바로 이 지점에서 판소리합창단은 전통의 미감과 소리의 결을 온전하게 지키며 세계 청중에게 닿을 수 있는 집단적 울림을 설계해야 하는 기술적이고 음향적인 문제와 마주하게 된다.
물론 판소리합창단에 대한 실체적 논의는 오래전부터 다양한 실험이 있었다. 2002년 6월 한국소리문화의전당 모악당에서 창작 음악극 ‘혼불’ 공연 파트에서 우석대 판소리합창단의 실험적 공연이 있었다. 이어 2004년 합창단은 국립민속국악원 국악 축제에서 선보인 국악 칸타타 ‘매창뜸’에서 ‘이화우 흩날릴 제’를 합창 공연하였다. 당시 우석대에서 재직하던 해금 연주가 심우택 교수의 열정으로 구성된 합창단이었다. 이후 심 교수는 2006년 전북대, 우석대, 원광대 등 전북 지역 대학에서 판소리를 전공한 여성 소리꾼들로 구성된 한층 정예화된 판소리합창단을 설립하였다.
이후에도 여러 대학과 단체에서 판소리합창단 공연을 시도하였다. 그러나 주요한 것은 판소리 합창 음악이 실험적인 의욕보다는 음악적 완성이 과제였다. 서양 음악과 전통 음악을 함께 매만져 음악적 완성도와 함께 대중적 감성을 현대적으로 승화시킬 수 있는 내용이 중요하다.
이러한 관점에서 (사)세계 판소리협회 제1회 워크숍에서 기량과 이론을 겸비한 예인들이 2시간에 걸친 치열한 토론 끝에 결론을 정리하며 모두가 한참을 침묵한 사실은 중요하다. 바로 재정적 지원 문제였다. 아무리 좋은 구슬이라도 꿰어야 빛난다. 이에 관계 부처와 기업은 전통문화를 매만지는 예인들을 향한 관심과 실질적 지원을 더는 미룰 수 없다는 사실을 깊이 인식해야 할 것이다. artwww@naver.com
필자: 이일영
한국미술센터 관장. 칼럼니스트. 시인
*아래는 위 기사를 '구글 번역'으로 번역한 영문 기사의 [전문]입니다. '구글번역'은 이해도 높이기를 위해 노력하고 있습니다. 영문 번역에 오류가 있을 수 있음을 전제로 합니다.<*The following is [the full text] of the English article translated by 'Google Translate'. 'Google Translate' is working hard to improve understanding. It is assumed that there may be errors in the English translation.>
 ▲ 필자: 이일영 ©이일영 칼럼니스트 |
World Pansori Association - 1st Workshop Held
- Lee Il-young, Columnist
On the afternoon of Friday the 5th, still reeling from the heavy first snowfall, I met with painter Jo Pung-ryu, who had traveled from Jaeun Island in Sinan, South Korea, along with Song Hye-geun, CEO of Gukak Times, and artist Lee Tae-yang, in Insadong. We visited "Chaesujeong Pansori Village," a space nestled at the foot of Mt. Chiak, where the World Pansori Association's 1st Workshop was being held.
The foothills of Mt. Chiak were still a distant sight, but the moon, a supermoon bathing the mountainside in a crimson glow, burst out in a chorus of gasps as the winter night's darkness crept in early. After tracing my path, I arrived at a natural wonderland.
The dinner, which was rushed and forced to be held before we could even begin to warmly welcome our late companion, was as warm as the flames of a wood-burning stove. However, the workshop that began immediately after the dinner quickly brought home the reason for the rushed dinner. The artists' heated discussions were so intense that they could freeze even the clear ice on the winter mountainside.
▲ Highlights of the 1st World Pansori Festival hosted by the World Pansori Association © Columnist Lee Il-young
The World Pansori Association (Chairman Chae Su-jeong) took its first steps in December 2021, when it received approval to establish a non-profit organization in Seoul in February 2022, following the collective efforts of master singer Chae Su-jeong, professor at the Korea National University of Arts, and her colleagues and students, with the goal of preserving and promoting pansori, the traditional Korean art form. In June of the same year, it was promoted to a designated donation organization by the Ministry of Strategy and Finance, establishing the institutional foundation for full-scale academic and cultural programs as a public interest organization. Building on this foundation, the inaugural academic conference was held in September under the theme, "Current Status and Future Strategies for the Globalization of Pansori."
Looking back on the journey of the World Pansori Association, which celebrates its third anniversary this year, one realizes how significant a legacy it has left in such a short period. Today's workshop featured a diverse range of opinions, including self-evaluations of this year's activities and recommendations for next year's. The discussion was particularly heated as it focused on the challenges traditional pansori faces in communicating as easily as K-pop. It was a moment that further solidified the reality that pansori's unique sensibility and linguistic structure are like a river that must be crossed.
Among the diverse voices, one panelist, drawing on her own experience, explained how pansori choirs can be a crucial stepping stone for the globalization of pansori. It was singer Kim Soo-mi. Her explanation suddenly rekindled a long-held thought. I recalled listening intently to Kim Soo-mi, who, through various opportunities, passed down the song of Park Dong-sil. In the mid-1980s, I learned from a longtime acquaintance about the untimely death of singer Kim Jeong-ho that his maternal grandfather, the master singer Park Dong-sil (1903-1982), had defected to North Korea. Later, in the early 1990s, I encountered materials related to Park Dong-sil in Japan and explored the flow of his vocals.
It's worth recapitulating this passage. Leenalchi (1818-1895), a renowned singer who exemplified the orthodoxy of seopyeonje, a style of Korean traditional music in the late Joseon Dynasty. With his immense vocal volume and meticulous breathing, he meticulously combined vocal flow, deoneum variations, and the emotional structure of rhythmic patterns to perfect a unique vocal system known as "tongseong (通聲) singing." This technique, which has been etched in history as "making the fields tremble," laid the foundation for the seopyeonje style of Simcheongga.
His disciple, Kim Chae-man (1873-1948), further refined his master's mastery of the song, adding his own delicate sensibility to pursue the restrained lyricism characteristic of the Seopyeonje style. He further refined the passages, singing techniques, and rhythmic flow, leading modern researchers to consider it the "epitome of the Seopyeonje Simcheongga aesthetic."
The singer who inherited this history of singing was Park Dong-sil (1903-1982). He learned the Simcheongga from Kim Chae-man and left behind a unique expressive style, characterized by a clear opening and ending and the dramatic push and pull of emotion. Despite the turbulent history of his defection to North Korea, his singing remains an unfinished business, yet it remains a crucial component in key passages.
The singer who has faithfully preserved this history is Jang Wol-jung-seon (1925-1998), a female master singer born in Gokseong, South Jeolla Province. From around the age of 13, she mastered the core flow and structure of Simcheongga under the tutelage of master singer Park Dong-sil. In 1952, she opened a traditional Korean music academy at the Noindang in Sanjeong-dong, Mokpo. Building on this foundation, the Mokpo Gugak Center was established in 1955 with the support of Kim Chang-hoon (1896-1967), founder of Haengnamsa, a leading Mokpo business at the time, renowned for its Haengnamgi (Korean traditional music). In 1960, the Gugak Center was renamed Yudal Gugak Center. In 1969, the Korea Tourism Organization (now the Korea Tourism Organization) opened the Hotel School of the Tourism Human Resources Development Institute in Gyeongju and invited the master singer Jang Wol-jung-seon to teach traditional pansori. This experience paved the way for her to continue her career in Gyeongju.
Kim Su-mi, the youngest disciple of master singer Park Dong-sil, is a singer with a deep understanding of both practical and theoretical skills across a wide range of vocal disciplines. His suggestion of a pansori choir for the globalization of pansori resonated deeply with me, given my own perspective of having vaguely traced the musical history of humankind.
▲ Highlights from the 2nd World Pansori Festival hosted by the World Pansori Association © Columnist Lee Il-young
Throughout the long history of human music, the choir has been the oldest vessel through which human communities have confirmed their identity and emotions. Furthermore, it has been a crucial structure in the development of music. If we examine the origins of choirs in Western music history through tangible records, we can trace them back to the "Dityrambos Agon" (Διθύραμβος Ἀγών), a major choral poetry competition held at the ancient Greek festival of Dionysus around the end of the 6th century BC.
At the time, ten major urban tribes competed annually, sending choirs of boys and girls of up to 50 singers to compete. They sang "Dityrambos," choral poems based on myths. This history, dating back to the chants of medieval monasteries, has always fostered communal sacredness and emotional bonds in moments when multiple voices resonate in unison. The emergence of polyphonic music, particularly in medieval Gregorian chant, developed through the process of voices of different pitches clashing and reconciling to create independent melodies.
This history later led to the majestic choral music of Giovanni Palestrina (1525–1594), a master of late Renaissance church music who penetrated the essence of counterpoint, and Thomas Victoria (1548–1611), who achieved even more unique artistic achievements. These works confirmed communal identity by conveying the language of prayer to God through the resonance of the chorus. Furthermore, they were the foundation that illuminated the light of Western music.
From the Renaissance to the Baroque, choral music acquired a more structural and narrative power. Bach's cantatas and Passions became magnificent pieces of music that simultaneously resonated with individual faith and communal history, proving that the chorus transcended the individual's voice and embodied the spirit and inner self of the times. Following Classicism and Romanticism, the chorus reached its peak as an artistic genre. Beethoven's "Choral Symphony" elevated the "human voice" to the pinnacle of symphony for the first time in musical history, proving that the chorus could become a landmark in the history of civilization.
Since then, the chorus has established itself as a fundamental art form, indelibly presenting national narratives, religious beliefs, community identities, and national monuments. This was a testament to the wisdom of history, recognizing that the chorus is not simply a song sung by many people, but rather the most collective and narrative emotional structure humans have ever attempted to convey to one another.
▲ Highlights from the 3rd World Pansori Festival hosted by the World Pansori Association © Columnist Lee Il-young
It is significant that at this workshop, artists who face the globalization of traditional pansori firsthand deeply recognized the need for a pansori choir. While pansori and choirs share a common pursuit of communal resonance, their musical structures are fundamentally different. Pansori is a music characterized by a soloist, harmonized with sigimsae, deoneum, and fluid rhythms, creating a natural sway. Chorus, on the other hand, is an art form in which multiple voices maintain consistent pitch and harmony, building collective resonance within a regular beat.
Pansori's vocalization, embodying the Korean pitch and rhythm, differs from Western major scales and vocal systems. Therefore, harmonizing pansori's improvisational and variable nature within the score-based choir structure inevitably becomes a crucial task. At this very point, the pansori choir faces the technical and acoustical challenges of designing a collective resonance that can reach a global audience while maintaining the traditional aesthetic and sonic texture.
Of course, the substantive discussion on pansori choirs has long been preceded by various experiments. In June 2002, the Woosuk University Pansori Choir performed an experimental performance at the Moakdang Hall of the Sori Arts Center of Korea during the original musical "Honbul." In 2004, the choir performed "Ihwa-u Heunnalilje" (Ihwa-u Heunnalilje) from the Korean traditional music cantata "Maechangtteum" at the National Gugak Center's Gugak Festival. The choir was formed with the passion of Professor Shim Woo-taek, a haegeum player who was then teaching at Woosuk University. In 2006, Professor Shim established a more elite pansori choir comprised of female singers who majored in pansori at universities in the Jeonbuk region, including Chonbuk National University, Woosuk University, and Wonkwang University.
Since then, many universities and organizations have attempted pansori choir performances. However, the primary challenge in pansori choral music lies in musical perfection, rather than experimental ambition. Blending Western and traditional music, the content is crucial, both for musical perfection and for elevating popular sensibilities to a modern level.
From this perspective, the fact that the first workshop of the World Pansori Association, where talented artists with both technical and theoretical expertise concluded after a two-hour intense discussion, was marked by a long silence was significant. The issue was financial support. Even the finest beads need to be strung together to shine. Therefore, relevant government agencies and businesses must recognize that they can no longer delay providing interest and practical support to artists who nurture traditional culture. artwww@naver.com
Author: Lee Il-young
Director of the Korean Art Center. Columnist. Poet
