 ▲ 2025 서울아트쇼 갤러리 ART NOON 부스(80번)에 전시된 이태양 작가 작품 © 이일영 칼럼니스트 |
미술 축제 2025 서울아트쇼가 12월 24일, 서울 강남구 삼성동 코엑스 A홀에서 조용히 막을 올렸다. 무수한 빛과 감각이 뒤섞인 그 자리에서 갤러리 ART NOON 부스(80번)는 유독 깊고 고요한 울림으로 관람객의 발걸음을 붙잡는다. 그 앞에서 우리는 특별한 작품을 마주하게 된다. 천년의 침묵을 빛으로 되살리는 이태양 작가의 나전칠기 조형과 회화 작업, ‘사유의 미학’이다.
이태양 작가는 전통의 나전 재료인 전복, 조개, 소라가 품어온 자연의 빛을 단순한 장식이 아닌 하나의 사유 구조로 번역해 내는 독창적 작가이다. 반도체 공학 박사라는 이력이 보여주듯 그는 자개의 층간 구조와 광학적 반사와 굴절을 수학적 감각으로 분석하고 그 빛의 원리를 다시 현대 조형과 회화의 언어로 확장한다. 이는 전통을 되살리는 것이 아닌 전통의 미감을 현대 정신 속에서 ‘다시 태어나게’ 하는 예술이다.
이번 전시에서 특히 주목되는 것은 국보 제83호 반가사유상을 모티프로 삼은 나전칠기 회화 작품이다. 이 작품은 자개를 잘게 쪼개 세공하는 일반적인 방식이 아닌 재료의 본질인 통 자개(原貝)를 그대로 사용해 빛의 근원을 끌어낸다. 자연이 오랜 시간에 걸쳐 만들어낸 곡선과 두께, 불규칙한 표면의 결들이 조각가의 손을 거치며 하나의 형상이 되기보다는 자연이 스스로 빚어낸 문양을 있던 그대로 드러내는 방식이다.
 ▲ 사유의 미학-반가사유상 83호, 600x600mm, 통 자개(原貝) 나전, 복합재료 © 이일영 칼럼니스트 |
고난도 기법이란 그저 어려운 기술을 말하는 것이 아니다. 자연 본연의 힘을 다치지 않게 받아들이고 그 질감의 숨결을 해치지 않으며 빛의 음영이 스스로 구조를 이루게 내버려두는 태도에 가깝다. 이태양의 통 자개 회화는 바로 이 ‘존중의 태도’에서 출발한다. 자개의 굴곡마다 다른 결을 품은 빛은 회화의 표면 위에서 단순한 반사를 넘어 사유의 파문처럼 흔들리고 번진다.
자연의 본질과 기원을 추적하는 예술적 의식이 통 자개를 통해 사유의 미학으로 승화된다는 점이 작업의 핵심이며 그 고유한 발상과 의식은 오늘날 나전칠기 예술에서 독창적인 깊이를 만들어낸다. 부스 공간에는 회화뿐 아니라 나전칠기 조형 작품들이 함께 호흡하고 있다. 나전의 빛과 칠기의 깊이, 그리고 목조의 온기가 한 작품 안에서 서로의 생명을 키우며 울림을 만든다.
반가사유상이라는 형상은 동아시아 인간 사유의 정수이며, 삼국시대 이래 이어진 ‘생각하는 인간’의 가장 본질적인 상징이다. 이태양은 이 상징을 다시 현재의 빛으로 불러낸다. 전복 껍데기에 층층이 쌓인 생물학적 지층은 시간의 흔적이며 작가는 그 흔적을 겹겹이 쌓인 의식의 단면으로 번역한다. 그는 반가사유상의 ‘생각’을 광학적 사유의 구조로 해석하고 빛의 파동을 통해 사유의 진동을 시각화한다. 이 작업은 예술가가 아니라 탐구자의 깊은 의식에서 비롯된 혁신이다.
 ▲ 사유의 미학-일본고류지 반가사유상, 1406x640x930mm, 금강송, 옻칠 © 이일영 칼럼니스트 |
이태양 작가의 작업은 이미 세계가 먼저 알아보았다. 2024년 도쿄 도립미술관 삭일회전에서 ‘도쿄도지사상’을 수상하며 일본 미술계는 그가 전통을 현대적 조형으로 재해석하는 독창성을 높이 평가했다. 이어 2025년 로댕의 ‘생각하는 사람’ 시리즈로 ‘문부과학대신상’을 받으며, 두 해 연속 일본 최고 권위의 상을 거머쥐었다. 전통과 현대, 동아시아와 서구 조형 정신을 하나의 지점에서 잇는 그의 의식이 국경을 초월해 공감받았다는 증거이다.
나아가 한일 수교 60주년을 기념해 주일한국문화원에서 열린 ‘역사를 품은 천년의 빛’ 전시에서도 20여 점의 작품은 현지 비평가들로부터 “동아시아 고전 조각이 현대 광학 예술로 재탄생한 순간”이라는 평가를 얻었다. 이러한 업적은 2025 아트코리아방송 문화예술대상 ‘전통회화대상’으로 이어졌다.
2025 서울아트쇼의 이태양 부스에서 관람객이 경험하는 순간은 조각을 바라보는 일이 아니다. 그것은 빛으로 이루어진 사유의 공간 안으로 천천히 들어가는 경험이다. 작품은 관람자의 움직임과 조명의 높낮이 그리고 빛의 각도에 따라 끝없이 다른 얼굴을 드러낸다. 고요한 깨달음의 얼굴로, 시간의 미세한 파편으로 우주의 먼지처럼 반짝이는 입자가 되기도 한다. 이는 나전칠기라는 가장 한국적인 재료가 ‘사유의 구조’라는 현대적 질문과 결합했기 때문에 가능한 변화이다.
 ▲ 이태양 作 (좌) 사유의 미학-반가사유상 83호, 910x450x570mm, 나전, 복합재료(중) 반가사유상83호, 470x300x230mm,나전,24k순금,복합재료 (우) 반가사유상 83호 청동, 옻칠, 900X402X482mm © 이일영 칼럼니스트 |
이태양의 작업은 한국의 전통적 미감이 세계 현대미술의 언어로 번역될 수 있음을 증명하는 귀한 사례이며 한국 조형예술이 어디까지 확장될 수 있는지 보여주는 중요한 미래의 이정표이다. 세계 미술사에서 반가사유상과 로댕의 ‘생각하는 사람’을 동일한 사유의 미학으로 해석해 낸 작가는 많지 않다. 이태양은 그 길을 가장 치열하게, 가장 독창적으로 걸어가고 있는 작가이다.
이번 서울아트쇼에서 그의 작품을 마주하는 일은 천 년 전의 사유가 오늘의 빛 속에서 다시 깨어나는 경험을 느끼게 된다. 나아가 그 빛은 당신의 사유는 지금 어디에 머물고 있는가를 묻고 있다. artwww@naver.com
필자: 이일영
한국미술센터 관장. 칼럼니스트. 시인
*아래는 위 기사를 '구글 번역'으로 번역한 영문 기사의 [전문]입니다. '구글번역'은 이해도 높이기를 위해 노력하고 있습니다. 영문 번역에 오류가 있을 수 있음을 전제로 합니다.<*The following is [the full text] of the English article translated by 'Google Translate'. 'Google Translate' is working hard to improve understanding. It is assumed that there may be errors in the English translation.>
 ▲ 필자: 이일영 ©이일영 칼럼니스트 |
The 2025 Seoul Art Show... The Light of Thought Reawakens After a Millennium!
- Lee Il-young, columnist
The 2025 Seoul Art Show quietly opened on December 24th at COEX Hall A in Samseong-dong, Gangnam-gu, Seoul. In this space, where countless lights and sensations intertwine, the Gallery ART NOON booth (No. 80) captivates visitors with a particularly deep and tranquil resonance. Before us, we encounter a special work: Lee Tae-yang's mother-of-pearl lacquerware sculptures and paintings, "The Aesthetics of Thought," which revive millennia of silence with light.
Lee Tae-yang is a unique artist who translates the natural light of traditional mother-of-pearl materials—abalone, clams, and conches—into a structure of thought, not simply as decoration. As evidenced by his PhD in semiconductor engineering, he mathematically analyzes the layered structure and optical reflection and refraction of mother-of-pearl, then extends the principles of light into the language of modern sculpture and painting. This art, rather than reviving tradition, seeks to "rebirth" traditional aesthetics within the contemporary spirit.
A particularly noteworthy work in this exhibition is a mother-of-pearl lacquer painting based on National Treasure No. 83, the Pensive Bodhisattva. Rather than using the conventional method of finely slicing and carving mother-of-pearl, this work utilizes the material's essence, the raw mother-of-pearl, to capture the essence of light. Rather than allowing the curves, thicknesses, and irregular surface textures that nature has sculpted over time to become a single form through the sculptor's hands, this work reveals the patterns that nature has sculpted itself.
▲ The Aesthetics of Contemplation - Pensive Bodhisattva No. 83, 600x600mm, Mother-of-pearl inlay, composite material © Lee Il-young, Columnist
Advanced techniques are not simply about technical skill. It's akin to an attitude of accepting the inherent power of nature without harming its texture, leaving the breath of its texture intact, and allowing the shades of light to shape their own structure. Lee Tae-yang's mother-of-pearl paintings stem from this very "attitude of respect." The light, embodying each curve of the mother-of-pearl, transcends mere reflection on the surface of the painting, rippling and spreading like ripples of thought.
The artistic consciousness of tracing the essence and origins of nature, sublimated into an aesthetic of contemplation through mother-of-pearl, lies at the heart of the work. This unique conception and consciousness create a unique depth in today's mother-of-pearl lacquerware art. The booth space features not only paintings but also mother-of-pearl lacquerware sculptures. The light of the mother-of-pearl, the depth of the lacquerware, and the warmth of the woodwork all contribute to each other's vitality, creating a resonance within the work.
The form of the Pensive Bodhisattva is the essence of East Asian human thought, the most essential symbol of the "thinking human," a concept that has persisted since the Three Kingdoms period. Lee Tae-yang rekindles this symbol with the light of the present. The layered biological strata of the abalone shell are traces of time, and the artist translates these traces into layers of consciousness. He interprets the "thought" of the Pensive Bodhisattva as a structure of optical thought and visualizes the vibrations of thought through waves of light. This work is an innovation born not from the artist's perspective, but from the deep consciousness of an explorer.
▲ The Aesthetics of Thought - Pensive Bodhisattva, Koryuji Temple, Japan, 1406 x 640 x 930 mm, Diamond Pine, Lacquer © Lee Il-young, Columnist
Lee Tae-yang's work has already been recognized worldwide. In 2024, he won the Tokyo Governor's Award at the Tokyo Metropolitan Art Museum's Sakuichi Exhibition, acclaiming the Japanese art world's ingenuity in reinterpreting tradition through contemporary forms. In 2025, he received the Minister of Education, Culture, Sports, Science and Technology Award for Rodin's "The Thinker" series, securing Japan's most prestigious award for two consecutive years. This is evidence that his consciousness, which connects tradition and modernity, East Asian and Western artistic spirit, resonated across national borders.
Furthermore, at the "A Millennium of Light Embracing History" exhibition held at the Korean Cultural Center in Japan to commemorate the 60th anniversary of Korea-Japan diplomatic relations, local critics praised some 20 works, describing them as "a moment when classical East Asian sculpture was reborn as modern optical art." This achievement led to his winning the Grand Prize in Traditional Painting at the 2025 Art Korea Broadcasting Culture and Arts Awards.
The moment visitors experience at Lee Tae-yang's booth at the 2025 Seoul Art Show is not simply a matter of gazing at a sculpture. It is an experience of slowly entering a space of contemplation, created by light. The work reveals endlessly different faces depending on the viewer's movements, the height of the light, and the angle of the light. It can be a face of tranquil enlightenment, or a particle of time, a shimmering fragment like cosmic dust. This transformation is possible because the most quintessentially Korean material, mother-of-pearl lacquerware, combines with the contemporary question of the "structure of thought."
▲ Lee Tae-yang's work (left) The Aesthetics of Contemplation - Pensive Bodhisattva No. 83, 910x450x570mm, mother-of-pearl, composite material (middle) Pensive Bodhisattva No. 83, 470x300x230mm, mother-of-pearl, 24k gold, composite material (right) Pensive Bodhisattva No. 83, bronze, lacquer, 900x402x482mm © Lee Il-young, columnist
Lee Tae-yang's work is a valuable example of how traditional Korean aesthetics can be translated into the language of global contemporary art, and it serves as a significant future milestone, demonstrating the extent to which Korean plastic arts can expand. Few artists in world art history have interpreted the Pensive Bodhisattva and Rodin's "The Thinker" through the same aesthetics of contemplation. Lee Tae-yang is the artist who has blazed this path with the most intensity and originality.
Encountering his work at this year's Seoul Art Show is like experiencing a thousand-year-old thought reawakening in the light of today. Furthermore, that light asks where your own thoughts reside now. artwww@naver.com
Author: Lee Il-young
Director of the Korean Art Center. Columnist. Poet
