브레이크뉴스 김충열 정치전문기자 = K-컬처가 전 세계적 화두로 떠오른 지금, 우리 민화의 가장 한국적인 미감을 현대적 조형 언어로 풀어내며 독보적인 영역을 구축하고 있는 작가가 있다. 바로 김문정 화가이다. 그는 전통적 소재인 민화에 천착하되, 이를 연기사상(緣起思想)이라는 깊은 철학적 토대 위에 '실'과 '선'이라는 현대적 상징으로 재해석해내고 있다.
 ▲ 김문정 화가는 "선, 색, 여백, 상징이 모두 ‘설계된 감정’처럼 작동하거든요. 저는 그 구조를 해체하고 다시 조립하는 과정에서 제 작품 언어를 찾았다"며, "가장 한국적인 것이 가장 세계적이라는 믿음 아래, 우리 고유의 미감을 현대적 조형 언어로 재해석하여 동시대 사람들과 소통하고자 민화적 요소에 집중하게 되었다"고 설명했다. © 김충열 정치전문기자 |
인연의 실타래로 엮어낸 생의 풍경, 우리는 모두 보이지 않는 수많은 선으로 연결되어 있다. 스쳐 지나가는 바람일 수도, 찰나의 눈 맞춤일 수도 있는 그 무수한 '인연'들을 김문정 화가는 한지 위에 층층이 쌓아 올린다. 그의 화폭은 단순히 그려진 그림이 아니라, 한지죽을 이겨 바르고 말리는 고단한 수행의 시간을 견뎌내며 피어난 인연의 결정체이다.
전통 민화의 현대적 변용을 통해 '관계'와 '흐름'이라는 본질적 질문을 던지는 김문정 화가는 은은한 색채 속에 숨겨진 겹침의 미학을 통해 복잡한 현대 사회를 살아가는 우리에게 '홀로 존재하지 않는 생의 경이로움'을 일깨워준다. 붓끝으로 인연을 깁고, 여백으로 마음을 채워내며 전통의 고결함에 현대적 숨결을 불어넣고 있다.
수천 번의 덧칠과 기다림이 빚어낸 그의 작품은 '여백과 채움'이 공존하는 절제된 아름다움을 보여준다. 작품은 입체적 다층적 구조로 화폭에 담아내고 있다. 그것은 또 하나의 우주였다. 관계의 소중함이 점차 희미해지는 시대, 화폭 가득 흐르는 따뜻한 유대감을 통해 관객의 영혼을 위로하는 김문정 화가. 그는 ‘불교와 미술-연기사상의 조형적 표현’을 출간한 미술학 박사로서 이론과 실기를 겸비한 독보적인 예술가이다. 그의 작업실에서 나눈 대화는 예술이 어떻게 인간의 삶과 인연을 구원하는지에 대한 기록을 실감했다.
브레이크뉴스는 그를 2회에 걸쳐 작업실과 서울시 종로구 경희궁3가길 ‘공간풀숲’에서 열리는 전시회(1월10-17일)를 통해 작품 속에 담긴 깊은 울림의 정체를 들어봤다.
Q. K-pop, K-콘텐츠 등 한류가 전 세계적으로 열광 받고 있습니다. 특별히 민화에 천착한 배경은 무엇입니까?
▶ 민화는 우리 민족의 가장 솔직하고 소박한 삶의 염원을 담고 있는 그릇입니다. 한류가 세계적인 주목을 받는 이유는 그 안에 담긴 '한국적 정서의 독창성' 때문이라고 생각합니다. 저에게 민화는 단순한 전통의 재현이 아니라, 시대를 초월하는 보편적인 생명력과 따뜻한 해학을 탐구하는 통로였습니다. 선, 색, 여백, 상징이 모두 ‘설계된 감정’처럼 작동하거든요. 저는 그 구조를 해체하고 다시 조립하는 과정에서 제 작품 언어를 찾았습니다. 가장 한국적인 것이 가장 세계적이라는 믿음 아래, 우리 고유의 미감을 현대적 조형 언어로 재해석하여 동시대 사람들과 소통하고자 민화적 요소에 집중하게 되었습니다.
 ▲ 실과 선은 인연의 촘촘한 밀도를 나타낸다. '여백'은 단순히 비어있는 공간이 아니라, 새로운 관계가 생성될 수 있는 가능성의 공간이자 숨을 쉬는 통로이다. 또한, '겹침'은 시간이 쌓이고 기억이 층을 이루는 과정을 상징한다. 한지라는 매질이 주는 투명성을 활용해 색과 선을 겹치다 보면, 밑에 깔린 흔적이 완전히 사라지지 않고 은은하게 배어나옵니다. © 김충열 정치전문기자 |
Q. 작가님의 작품 세계를 관통하는 핵심 키워드는 '인연, 관계, 흐름' 등 인 거 같습니다. 이 주제에 심취하게 된 특별한 계기나 삶의 경험이 있으신가요?
▶ 삶은 결국 수많은 만남과 헤어짐의 연속입니다. 저는 살아가며 마주하는 모든 존재가 고립된 개체가 아니라, 보이지 않는 끈으로 연결되어 서로에게 영향을 주고받는다는 사실에 깊은 경외심을 느꼈습니다. 민화의 상징들도 결국 ‘좋은 인연을 불러오고, 삶이 잘 흘러가길 바라는 마음’에서 출발하잖아요. 저는 그 전통적인 염원을 오늘의 감각으로 다시 꺼내서, 관계가 만들어내는 온기와 균열, 그리고 다시 이어지는 회복의 흐름을 화폭 안에 담고 싶었습니다. 개인적인 삶의 굴곡과 성찰의 시간 속에서 '나'라는 존재 역시 타인과 자연, 그리고 우주의 흐름 속에서 형성된 결과물임을 깨달았습니다. 그 관계의 신비로움과 생동하는 흐름을 화폭에 담는 것이 제 작업의 숙명이 되었습니다.
 ▲ 김작가는 "여백은 비어 있는 공간이 아니라, 제게는 관계가 숨 쉬는 자리입니다. 말하지 않아도 전달되는 감정, 서로를 배려하며 남겨두는 거리, 혹은 상처 때문에 비워둔 자리 같은 것들이 여백에 머무릅니다. 그래서 일부러 다 채우지 않고, 남겨둠으로써 더 선명해지는 감정을 만들고 싶었다"고 밝혔다. © 김충열 정치전문기자 |
Q. 작품 속 '실'이나 '선'은 관계를 상징하는 듯합니다. 작품 속 여백과 겹침의 표현 방식은 어떻게 탄생하게 되었나요?
▶ 실과 선은 인연의 촘촘한 밀도를 나타냅니다. '여백'은 단순히 비어있는 공간이 아니라, 새로운 관계가 생성될 수 있는 가능성의 공간이자 숨을 쉬는 통로입니다. 또한, '겹침'은 시간이 쌓이고 기억이 층을 이루는 과정을 상징합니다. 한지라는 매질이 주는 투명성을 활용해 색과 선을 겹치다 보면, 밑에 깔린 흔적이 완전히 사라지지 않고 은은하게 배어나옵니다. 이는 과거와 현재가 공존하며 관계를 맺는 방식을 시각적으로 구현한 결과입니다. 여백은 비어 있는 공간이 아니라, 제게는 관계가 숨 쉬는 자리입니다. 말하지 않아도 전달되는 감정, 서로를 배려하며 남겨두는 거리, 혹은 상처 때문에 비워둔 자리 같은 것들이 여백에 머무릅니다. 그래서 일부러 다 채우지 않고, 남겨둠으로써 더 선명해지는 감정을 만들고 싶었습니다.
Q. 여백과 공간이 심오하고 색감이 매우 은은하면서도 깊이가 있습니다. 작가님께서 작품을 완성해 가는 과정에서 가장 신경 쓰는 부분은 무엇인가요?
▶ '색의 깊이'와 '균형'입니다. 인위적인 원색보다는 여러 번 덧칠하여 밑바닥에서부터 우러나오는 깊이 있는 색감을 중시합니다. 색이 층층이 쌓여 발색되는 과정에서 생기는 미묘한 변화에 집중하며, 그것이 공간 전체와 조화를 이루는지 끊임없이 살핍니다. 한지 위에 스며드는 안료의 농담을 조절하며, 관람객의 시선이 머물렀을 때 마음이 차분히 가라앉을 수 있는 평온한 색의 궤적을 만드는 데 가장 공을 들입니다.
 ▲ 김문정 화가는 "'이것이 있으므로 저것이 있고, 이것이 생기므로 저것이 생긴다'는 연기(緣起)의 진리는 제 삶의 철학이자 예술적 뿌리이다"며, "모든 존재는 상호의존적이라는 이 사상은 제 작품에서 '유기적인 선들의 엉킴'과 '풀림'으로 형상화된다"고 강조했다. © 김충열 정치전문기자 |
Q. 연기사상(緣起思想)을 작업에 녹여내신 이유와 그것이 작품에 어떤 영향을 주었는지 궁금합니다.
▶ '이것이 있으므로 저것이 있고, 이것이 생기므로 저것이 생긴다'는 연기(緣起)의 진리는 제 삶의 철학이자 예술적 뿌리입니다. 모든 존재는 상호의존적이라는 이 사상은 제 작품에서 '유기적인 선들의 엉킴'과 '풀림'으로 형상화됩니다. 덕분에 제 작업은 고정된 형태를 그리는 것에서 벗어나, 끊임없이 변모하고 순환하는 생명의 에너지를 담는 방향으로 나아갈 수 있었습니다.
연기사상이 작품에 미친 영향은 크게 세 가지예요. 첫째, 형태가 ‘결과’가 아니라 ‘과정’처럼 보이게 만들었습니다. 선 하나, 매듭 하나도 ‘완결된 이미지’라기보다 잠시 나타났다가 사라질 수 있는 흐름의 흔적으로 두려고 합니다.
둘째, 재료 선택이 더 분명해졌어요. 실, 한지, 층을 이루는 색은 모두 ‘연결’과 ‘조건’을 직접 드러내는 물성입니다. 한지는 스스로 강하지 않지만 여러 겹이 만나면 단단해지고, 실은 보이지 않는 힘을 가시화하죠. 이런 재료가 연기적 사고와 아주 잘 맞았습니다.
셋째, 여백의 의미가 달라졌습니다. 연기에서 ‘비어 있음’은 공허가 아니라 가능성이잖아요. 그래서 여백은 비워둔 공간이 아니라, 관계가 생성되고 변화할 수 있는 잠재의 장(場)입니다. 겹침은 조건들이 만나면서 생기는 결과이고, 번짐이나 흐림은 관계가 고정되지 않는다는 사실을 보여줍니다.
결국 연기사상은 제 작업을 “관계의 그림”에서 한 단계 더 나아가, 관계가 생겨나고 변하는 원리 자체를 시각화하는 방향으로 밀어주었습니다. 그래서 제 작품은 어떤 이야기를 단정적으로 말하기보다, 관객이 자기 삶의 인연과 조건들을 떠올리며 스스로 연결을 완성하도록 열어두는 방식으로 완성된다고 생각합니다.
 ▲ 제 작업은 고된 노동의 산물입니다. 제 작업은 결과만 보면 조용해 보이지만, 과정은 굉장히 노동집약적이고 시간이 오래 걸립니다. 그래서 저는 이 과정을 단순한 제작이 아니라, 거의 몸으로 하는 사유에 가깝게 느껴요. © 김충열 정치전문기자 |
Q. 전통 동양화의 정신을 현대적인 조형 언어로 풀어내고 있습니다. '현대 동양화'가 대중에게 전달해야 할 가장 중요한 가치는 무엇이라고 생각하십니까?
▶ 현대적 언어로 풀어낸다는 건 ‘전통을 예쁘게 변형’하는 게 아니라, 동양화의 정신을 오늘의 삶에 맞게 다시 작동시키는 일이라고 봅니다. 관계가 복잡해지고 마음이 쉽게 소진되는 시대에, 현대 동양화가 줄 수 있는 가치는 결국 깊이, 절제, 연결감이에요.
동양화가 지닌 고유의 정신성, 즉 비움과 관조의 미학은 현대인들에게 멈춤의 시간을 선물할 수 있습니다. 전통의 기법을 고수하되 현대적인 감각으로 풀어내어, 대중이 어렵지 않게 자신의 내면을 들여다보고 정서적 위안을 얻게 하는 것이 현대 동양화가가 짊어져야 할 가치이자 임무라고 생각합니다.
Q. 작업 과정이 굉장히 섬세하고 시간이 많이 소요될 것 같습니다. 한지죽을 이겨 바르고, 말리고, 그 위에 채색을 입히는 일련의 과정 속에서 작가님이 느끼는 '수행적 의미'가 궁금합니다.
▶ 제 작업은 고된 노동의 산물입니다. 제 작업은 결과만 보면 조용해 보이지만, 과정은 굉장히 노동집약적이고 시간이 오래 걸립니다. 그래서 저는 이 과정을 단순한 제작이 아니라, 거의 몸으로 하는 사유에 가깝게 느껴요.
한지죽을 만들고 바르고 말리는 행위는 기다림의 미학이 필요합니다. 서두른다고 해서 결과가 빨리 나오지 않지요. 이 반복적인 과정은 제 안의 번뇌를 씻어내고 무념무상의 상태로 이끄는 일종의 '수행'과도 같습니다. 육체적인 수고로움이 더해질수록 작품에는 작가의 정성과 혼이 깃든다고 믿습니다. 그 시간은 곧 저 자신을 정화하는 시간입니다.
 ▲ 한지죽을 만들고 바르고 말리는 행위는 기다림의 미학이 필요합니다. 서두른다고 해서 결과가 빨리 나오지 않지요. 이 반복적인 과정은 제 안의 번뇌를 씻어내고 무념무상의 상태로 이끄는 일종의 '수행'과도 같습니다. 육체적인 수고로움이 더해질수록 작품에는 작가의 정성과 혼이 깃든다고 믿습니다. 그 시간은 곧 저 자신을 정화하는 시간입니다. © 김충열 정치전문기자 |
Q. 작업이 막히거나 예술적 영감이 필요한 순간, 작가님만의 특별한 리프레시 방법이나 극복방안은 있는지요?
▶ 자연 속으로 들어갑니다. 아무 생각 없이 숲길을 걷거나 흐르는 물을 가만히 바라봅니다. 자연은 가장 완벽한 예술가입니다. 바람에 흔들리는 나뭇잎의 각도, 이끼 낀 돌의 질감 속에서 제가 고민하던 해답을 찾기도 합니다. 때로는 명상을 하거나 차 한 잔을 마시며 '아무것도 하지 않는 상태'를 유지함으로써 비워진 자리에 새로운 영감이 차오르길 기다립니다. 음악도 좋지만 저는 특히 조용한 걷기를 좋아합니다. 걸으면 생각이 정리되고, 내가 어디에서 과하게 힘을 주고 있는지 보입니다. 막힘은 대부분 “너무 잘하려는 욕심”에서 오거든요. 작업을 ‘뒤집어’ 봅니다. 벽에서 떼어 바닥에 놓거나, 거울로 보거나, 멀리서 흐릿하게 보거나, 조명을 바꿉니다. 시점이 바뀌면 막힌 지점이 의외로 단순한 균형 문제였다는 걸 발견하는 경우가 많아요.
결국 제 극복법은 영감을 찾으려 하지 말고, 감각이 돌아오게 만든다. 그러면 어느 순간 다시 선이 이어지고, 여백이 숨을 쉬기 시작합니다.
 ▲ "나도 혼자가 아니구나, 모든 것이 연결되어 흐르고 있구나"라는 따뜻한 위안을 얻으셨으면 합니다. 제 작품 속의 부드러운 선과 색감이 지친 현대인들의 마음을 어루만져 주는 작은 휴식처가 되길 바랍니다. 잠시나마 일상의 복잡함을 잊고, 자신의 내면과 대화하며 평온한 숨을 쉴 수 있다면 작가로서 더할 나위 없는 기쁨일 것입니다. © 김충열 정치전문기자 |
Q. 관객들이 작가님의 작품 앞에서 어떤 교감과 감정이나 위로를 얻고 돌아가길 바라시나요?
▶ 우리는 관계 속에서 늘 애쓰고, 때로는 상처받고, 또 다시 연결되잖아요. 제 작품의 선과 실, 겹침과 여백은 그런 관계의 흔적을 담고 있습니다. "나도 혼자가 아니구나, 모든 것이 연결되어 흐르고 있구나"라는 따뜻한 위안을 얻으셨으면 합니다. 제 작품 속의 부드러운 선과 색감이 지친 현대인들의 마음을 어루만져 주는 작은 휴식처가 되길 바랍니다. 잠시나마 일상의 복잡함을 잊고, 자신의 내면과 대화하며 평온한 숨을 쉴 수 있다면 작가로서 더할 나위 없는 기쁨일 것입니다.
Q. 작가님께서 작품을 통해 전달하고 싶은 메시지는 무엇인가요?
▶ '공존과 순환'입니다. 우리는 모두 연결된 인연 속에서 살아가고 있으며, 그 관계 속에서 삶은 지속됩니다. 척박한 현실 속에서도 인연의 소중함을 잊지 않고, 흐르는 시간 속에서 저마다의 아름다운 결을 만들어가자는 메시지를 전하고 싶습니다. “우리는 서로의 인연과 조건 속에서 생겨나고, 변화하고, 다시 이어진다.” 그래서 제 작품은 누군가를 평가하거나 어떤 결론을 강요하지 않습니다. 대신 선과 실, 겹침과 여백을 통해 관계의 모습—가까움과 거리, 상처와 회복, 끊김과 연결—을 그대로 보여주고 싶어요.
 ▲ 수천 번의 덧칠과 기다림이 빚어낸 그의 작품은 '여백과 채움'이 공존하는 절제된 아름다움을 보여준다. 작품은 입체적 다층적 구조로 화폭에 담아내고 있다. 그것은 또 하나의 우주였다. 관계의 소중함이 점차 희미해지는 시대, 화폭 가득 흐르는 따뜻한 유대감을 통해 관객의 영혼을 위로하는 김문정 화가. 그는 ‘불교와 미술-연기사상의 조형적 표현’을 출간한 미술학 박사로서 이론과 실기를 겸비한 독보적인 예술가이다. 그의 작업실에서 나눈 대화는 예술이 어떻게 인간의 삶과 인연을 구원하는지에 대한 기록을 실감했다. © 김충열 정치전문기자 |
Q. 앞으로 새롭게 도전해보고 싶은 재료나 주제, 계획 중인 프로젝트가 있다면 들려주세요.
▶ 앞으로는 지금까지의 핵심인 ‘인연과 흐름’을 유지하되, 표현 방식은 더 확장해보고 싶습니다.
첫째, 공간 작업(설치)에 더 본격적으로 도전하려 해요. 평면에서 하던 ‘선과 여백’을 실제 공간으로 가져와서, 관객이 작품을 “보는” 것을 넘어 걸으며 관계 속을 통과하는 경험을 만들고 싶습니다. 실과 투명한 소재, 빛의 그림자를 활용하면 ‘연기’의 구조가 더 직접적으로 체감될 것 같아요.
둘째, 재료로는 옻(칠)과 광물 안료, 그리고 섬유의 확장(한지+천, 매듭, 직조)에 관심이 큽니다. 옻은 시간과 기다림이 작품의 일부가 되는 재료라 제 작업의 수행성과 잘 맞고, 광물 안료는 은은하지만 깊이 있는 색의 층을 더 단단하게 만들어줄 수 있다고 봅니다.
셋째, 주제적으로는 ‘관계’의 따뜻함뿐 아니라, 끊김·소진·거리두기 같은 현대적 관계의 현실도 더 정면으로 다뤄보고 싶어요. 연결의 아름다움만이 아니라, 왜 끊어지고 어떻게 다시 회복되는지까지 포함해서요.
프로젝트로는, 작업을 책 형태로 정리하는 것도 계획 중이었는데 이번 전시에 책 '불교와 미술-연기사상의 조형적 표현'을 소개할 수 있게 되었습니다. 단순 작품집이 아니라, 제 작업의 기반이 되는 연기사상과 조형 언어(실, 여백, 중첩)의 의미를 함께 묶어 작품과 사유가 같이 읽히는 작품들을 만들고 싶습니다. hpf21@naver.com
* 아래는 위 기사를 '구글 번역'으로 번역한 영문 기사의 [전문]입니다. '구글번역'은 이해도 높이기를 위해 노력하고 있습니다. 영문 번역에 오류가 있을 수 있음을 전제로 합니다.
*The following is [the full text] of the English article translated by 'Google Translate'. 'Google Translate' is working hard to improve understanding. It is assumed that there may be errors in the English translation.
Artist Kim Moon-jung Holds Solo Exhibition, "Connect, Untie, Empty"... Book Commemoration for "Buddhism and Art" Held
Patchwork with the "Thread of Fate" and Fill with the "Space of Dependent Deeds"
Break News, Political Reporter Kim Choong-Lyoul = As K-culture has emerged as a global topic, there is an artist who is establishing a unique domain by interpreting the most Korean aesthetics of folk painting with a modern formative language. This artist is Kim Moon-jung. While focusing on the traditional subject matter of folk painting, he reinterprets it with the modern symbols of "thread" and "line" based on a deep philosophical foundation of the theory of dependent origination (緣起思想).
The landscape of life, woven with the threads of fate, we are all connected by countless invisible lines. These countless "connections," which could be a passing breeze or a fleeting glance, are layered upon layer upon layer of hanji paper. His canvases are not simply painted pictures, but the culmination of relationships blossoming through the arduous process of kneading, applying, and drying hanji.
Painter Kim Moon-jung, who poses fundamental questions of "relationship" and "flow" through a modern reinterpretation of traditional folk painting, awakens us, living in a complex modern society, to the "wonder of life that does not exist in isolation" through the aesthetics of layering hidden within subtle colors. He imbues the nobility of tradition with a contemporary breath, mending relationships with the tip of his brush and filling his heart with blank spaces.
Crafted through thousands of layers and patience, his works showcase the restrained beauty of "emptiness and fullness." His work is captured in three-dimensional, multi-layered structures. It is another universe. In an age where the value of relationships is fading, Kim Moon-jung comforts the soul of the viewer through the warm bonds that permeate his canvases. He holds a PhD in Fine Arts, having published "Buddhism and Art: The Formative Expression of Yeonggi Thought," and is a unique artist who combines both theory and practice. A conversation in his studio truly captured the essence of how art can save human life and relationships.
Break News met with him twice, at his studio and at an exhibition held at "Gongganpulsup" (Space Grass) on Gyeonghuigung 3-ga Street in Jongno-gu, Seoul (January 10-17), to learn about the profound resonance contained in his work.
Q. The Korean Wave, including K-pop and K-content, is enjoying global acclaim. What prompted you to delve into folk painting in particular?
▶ Folk painting embodies the most honest and simple aspirations of our people. I believe the reason the Korean Wave is attracting global attention lies in the "originality of Korean sentiment" contained within it. For me, folk painting is not simply a reproduction of tradition; it is a conduit for exploring a timeless, universal vitality and warm humor. Lines, colors, spaces, and symbols all function as "designed emotions." I discovered my artistic language through the process of dismantling and reassembling that structure. Believing that what is most Korean is most global, I focused on folk painting elements to reinterpret our unique aesthetic through a modern visual language and connect with our contemporaries.
Q. The core keywords that permeate your work seem to be "destiny," "relationship," and "flow." Was there a particular moment or life experience that drew you to this theme?
▶ Life is ultimately a series of encounters and partings. I was deeply awed by the fact that all the beings we encounter in life are not isolated entities, but are connected by invisible threads, influencing each other. The symbols of folk painting ultimately stem from the desire to attract good relationships and ensure a smooth flow of life. I wanted to recapture this traditional aspiration with a contemporary sensibility, capturing the warmth and ruptures created by relationships, and the flow of healing that follows. Through the ups and downs of my personal life and through periods of reflection, I realized that the very essence of "me" is also formed through the flow of others, nature, and the universe. Capturing the mystery and vibrant flow of that relationship on canvas has become my work's destiny.
Q. The "thread" and "line" in your work seem to symbolize relationships. How did you come to express the spaces and overlaps in your work?
▶ Threads and lines represent the dense density of relationships. "Space" isn't simply an empty space; it's a space of possibility, a breathing passage where new relationships can form. Furthermore, "overlapping" symbolizes the process of time accumulating and memories forming layers. By utilizing the transparency of hanji, a medium, and layering colors and lines, the underlying traces subtly permeate without completely disappearing. This is a visual representation of how past and present coexist and form relationships. Space isn't an empty space; for me, it's a place where relationships breathe. Unspoken emotions, the distance left behind out of consideration, or the void left behind by wounds reside in space. Therefore, I deliberately wanted to create emotions that become more vivid by leaving them intact, rather than filling them completely.
Q. The margins and spaces are profound, and the colors are subtle yet profound. What do you focus on most when completing your work?
▶ "Depth of color" and "balance." Rather than artificial primary colors, I prioritize the depth of color that emerges from the ground up through multiple layers. I focus on the subtle changes that occur as the colors build up layer by layer, constantly examining whether they harmonize with the overall space. I control the intensity of the pigments as they permeate the hanji paper, and I put the utmost effort into creating a tranquil color trail that calms the viewer's mind when their gaze lingers.
Q. I'm curious why you incorporated the idea of dependent origination (緣起思想) into your work, and how it influences your work.
▶ The truth of dependent origination (緣起), "This exists because that exists, and this arises because that arises," is both my life philosophy and the root of my art. This idea that all existence is interdependent is embodied in my work through the "organic tangles" and "untangling" of lines. This has allowed my work to move beyond drawing fixed forms and toward capturing the ever-changing and circulating energy of life.
The influence of the Yeong-dae philosophy on my work is largely threefold. First, I've made forms seem like "processes" rather than "results." I try to view each line and each knot as traces of a flow that can appear and disappear, rather than a "complete image."
Second, my choice of materials has become more specific. Thread, hanji, and the colors that make up the layers all have properties that directly reveal "connection" and "condition." Hanji, while not inherently strong, becomes stronger when multiple layers meet, while thread visualizes invisible forces. These materials fit perfectly with my Yeong-dae philosophy.
Third, the meaning of space has changed. In Yeong-dae, "emptiness" is not emptiness, but possibility. Therefore, blank space is not an empty space, but a potential field where relationships can be created and transformed. Overlapping is the result of conditions meeting, and blurring or blurring demonstrates that relationships are not fixed.
Ultimately, the Yeongdeungsaeng philosophy pushed my work beyond "pictures of relationships" to visualize the very principles by which relationships arise and change. Therefore, rather than definitively telling a story, I believe my work is completed by leaving the viewer open to the connections and conditions of their own lives, allowing them to connect on their own.
Q. You are interpreting the spirit of traditional Oriental painting through a modern formative language. What do you believe is the most important value that "modern Oriental painting" should convey to the public?
▶ I believe interpreting it through a modern language is not about "prettyizing tradition," but rather about reactivating the spirit of Oriental painting to fit today's lives. In an age where relationships are complex and the mind is easily exhausted, the values that modern Oriental painting can offer are ultimately depth, restraint, and connection.
The unique spirituality of Oriental painting, namely the aesthetics of emptiness and contemplation, can offer modern people a moment of pause. I believe that adhering to traditional techniques but interpreting them with a modern sensibility, allowing the public to easily introspect into their inner selves and find emotional solace, is the value and mission of a modern Oriental painter.
Q. Your work process must be extremely delicate and time-consuming. I'm curious about the "practical significance" you perceive in the process of kneading, applying, drying, and then applying color to the hanji.
▶ My work is the product of arduous labor. While the results may appear serene, the process itself is extremely labor-intensive and time-consuming. Therefore, I perceive this process not simply as a creation, but as a kind of physical contemplation.
The act of making, applying, and drying the hanji requires the aesthetics of patience. Rushing doesn't produce results quickly. This repetitive process is a kind of "practice" that cleanses my inner anxieties and leads me to a state of thoughtlessness. I believe that the more physical effort you put into your work, the more the artist's sincerity and soul are imbued into it. That time is a time for me to purify myself.
Q. When you're stuck in your work or need artistic inspiration, do you have any special ways to refresh or overcome it?
▶ I immerse myself in nature. I take a mindless walk along a forest path or simply gaze at the flowing water. Nature is the most perfect artist. I find answers to my questions in the angles of leaves swaying in the wind or the texture of mossy stones. Sometimes, I meditate or have a cup of tea, maintaining a state of "doing nothing," waiting for new inspiration to fill the void. While music is good, I especially enjoy quiet walks. Walking helps me clear my thoughts and helps me see where I'm overexerting myself. Most blockages stem from "too much desire to do well." I try "turning" my work upside down: taking it off the wall and placing it on the floor, looking at it in a mirror, viewing it from a distance, dimly, or changing the lighting. When I change my perspective, I often discover that the impasse was actually a simple balance issue.
Ultimately, my way of overcoming it is not to seek inspiration, but to let my senses return. Then, at some point, the lines connect again, and the space begins to breathe.
Q. What kind of connection do audiences have with your work?
We constantly struggle in relationships, sometimes get hurt, and then reconnect. The lines and threads, overlaps and spaces in my work embody the traces of those relationships. I hope you find the warm comfort of knowing, "I'm not alone. Everything is connected and flowing." I hope the soft lines and colors in my work can provide a small refuge, soothing the hearts of weary modern people. As an artist, it would be the ultimate joy to be able to forget the complexities of everyday life, converse with your inner self, and breathe peacefully.
Q. What message do you wish to convey through your work?
▶ "Coexistence and circulation." We all live within a network of interconnected relationships, and life continues within those relationships. I want to convey the message that even in harsh realities, we should not forget the preciousness of these relationships, and that we should each create our own beautiful threads within the flow of time. "We are born, change, and reconnect within our relationships and conditions." Therefore, my work does not judge anyone or impose any conclusions. Instead, I want to portray relationships—closeness and distance, wounds and healing, disconnection and connection—through lines and threads, overlaps and margins.
Q. Please share any new materials or themes you'd like to explore in the future, or any projects you're planning.
▶ Going forward, I'd like to maintain the core of "connection and flow" that I've explored so far, but expand my methods of expression.
First, I'm planning to take on spatial work (installations) more seriously. I want to bring the "lines and margins" I've been working with on flat surfaces into real space, creating an experience where the viewer goes beyond simply "seeing" the work and walks through it, experiencing it through relationships. I believe utilizing threads, transparent materials, and the shadows of light will allow the structure of "smoke" to be more directly experienced.
Second, I'm particularly interested in lacquer, mineral pigments, and the expansion of fibers (hanji + fabric, knots, weaving). Lacquer, a material that incorporates time and waiting, fits well with the performativity of my work, while mineral pigments can solidify the subtle yet deep layers of color.
Third, thematically, I want to address not only the warmth of "relationships," but also the realities of modern relationships, such as disconnection, exhaustion, and distancing. This includes not only the beauty of connection, but also why it breaks down and how it is restored.
For this project, I was planning to compile my work into a book, and I'm pleased to introduce the book, "Buddhism and Art - The Formative Expression of Yeon-gi Thought," at this exhibition. Rather than simply creating a collection of works, I hope to create works that combine the meaning of Yeon-gi Thought, which forms the basis of my work, with the visual language (thread, margin, overlapping), so that the work and the thoughts can be read together. hpf21@naver.com
