서울 예술의전당 한가람미술관측은 최근내놓은 보도자료에서 “오는 4월 25일, 예술의전당 한가람미술관 제2전시실에서 서양화가 오지윤 작가의 개인전 해가 지지 않는 바다가 열린다”고 알렸다.
이 자료에 따르면, 이 전시는 장애인의 달을 맞아 마련되었으며, 작가는 작품을 통해 인간의 존엄성과 회복의 가능성을 이야기하고자 한다. 삶의 고뇌와 연민을, 바다의 움직임과 함께 담아냈다. 전시 제목과 동일한 대형 작품 **〈해가 지지 않는 바다〉**는 길이 약 15미터에 달하며, 빛을 머금은 바다를 통해 꺼지지 않는 숨결과 삶의 의지를 표현한다. 단색과 단순한 형식으로 이루어진 이 작품은, 그 안에 삶의 고통과 슬픔을 이겨내고 승화시키는 아름다움을 담고 있다. 지난 2024년 베니스 비엔날레 외국관 공식 초청 작가로 선정된 오지윤 작가는 당시 비엔날레 본부 큐레이터 나탈리아 그리니우크(Natalia Gryniuk)로부터 “장인정신과 수행적 태도가 깃든 작업”이라는 평가를 받았다. 이번 전시는 그 초청 이후 이어지는 의미 있는 흐름으로, 한국 단색화를 직접 경험할 수 있는 소중한 기회가 될 것이다.
 ▲ 오지윤 작가. ©브레이크뉴스 |
미술평론가 홍가이 박사는 “한국 단색화는 매체 특수성과 평면성에 집중해 왔지만 반복적 형식에 대한 한계도 지적돼 왔다”며 “오지윤 작가는 반복된 행위를 통해 물리적 차원을 넘어선 몰입과 집중을 보여주며, 단색화의 새로운 가능성을 열고 있다”고 평가했다.
오지윤 작가는 “작품 속에 여백을 남겨두는 이유는 관람객이 각자의 경험과 감정을 투영할 수 있도록 하기 위함”이라며, “누구든 자신의 방식으로 작품을 받아들이고, 위로받을 수 있기를 바란다”고 전했다. 이 전시는 작가의 작업을 통해 관람객이 자신을 돌아보고 조용히 머물 수 있는 시간이 되기를 기대한다. 사람마다 각기 다른 고통, 기쁨, 상실, 그리고 희망을 안고 살아가기에, 작품이 그 감정을 다시 마주하게 하고 새로운 의미를 발견할 수 있는 계기가 되길 바란다. 이러한 감정의 해석은 각자의 흐름에 따라 달라질 수 있으며, 작가는 그러한 자유를 존중한다. 그리하여 단색을 선택했다고 말한다. 단순한 형상과 색채는 각기 다른 삶의 감성으로 다가가며, 동일한 의미로 해석되지 않는다. 하지만 많은 관람객이 작품 속에서 ‘기운’을 느낀다고 말하며, 작가는 그것이야말로 자신의 작품이 전하는 가장 중요한 요소라고 믿는다. 세상이 얼마나 기혹하고 때로는 무심한지, 작가는 잘 알고 있다. 그런 세상에서 아픔을 견디기 위해 사람들은 치유와 돌파구를 찾는다. 작가에게 작업은 그런 치유의 과정이자, 불평등한 세상을 이겨내려는 하나의 수행처럼 느껴진다. 거대한 철학이나 복잡한 이념을 전달하려는 것이 아니다. 작가는 자신이 살아오며 진심으로 느낀 삶의 경험을 담고자 한다. 사람마다 각자의 철학과 사상이 있으며, 그것을 강요하거나 설파하는 것은 예술의 몫이 아니라고 믿는다.
 ▲ 오지윤 작가의 작품. 362#31 해가 지지않는 바다 193.9x130.3cm Mixed media on canvas(24K Gold) 2023. ©브레이크뉴스 |
 ▲ 오지윤 작가의 작품. 스크린샷 ©브레이크뉴스 |
 ▲ 오지윤 작가의 작품 ©브레이크뉴스 |
 ▲오지윤 작가의 작품 ©브레이크뉴스 |
 ▲ 오지윤 작가의 작품. ©브레이크뉴스 |
작가의 작업 방식은 매우 단순하다. 수천, 수만 번의 붓질을 통해 캔버스 위에 부조를 쌓고 물감을 올리는 이 과정은 겉보기엔 평범하지만, 그 안에는 깊은 정성과 시간의 헌신이 담겨 있다. 마치 수만 년을 흘러온 강물처럼 말이다.
오지윤 작가는 거창하고 압도적인 감동이 아니라, 일상의 소박함 속에서 나오는 영감을 통해 깊은 감성을 전하고 싶다고 말한다. 특별한 기법이나 복잡한 구조가 아닌, 담백한 표현 속에 진심을 담아 관객에게 다가가고자 한다. “나는 인간적인 측면에서 진정한 위로와 용기를 전할 수 있는 작가가 되고 싶습니다. 만약 내 작품을 통해 많은 사람들이 조금이나마 고통을 덜고, 희망을 품을 수 있다면, 그것이 바로 내가 그림을 그리는 이유일 것입니다. 관람객이 잠시라도 고통과 혼란을 잊고 평온을 느낀다면, 그것이 내가 추구하는 최고의 성과입니다. 결국, 나의 그림은 관객과 나 사이의 조용한 대화입니다. 비록 내 작업이 거대한 이념을 담고 있지 않더라도, 그 진심이 전달되기를 바라며 오늘도 나는 붓을 듭니다. 관객과의 이 조용한 소통이야말로, 나의 작업이 지향하는 궁극적인 목표입니다.” <오지윤 작가 노트 중에서>
홍가이 박사는 “한국 단색화 전통은 모더니즘의 정점에서 평면성과 매체 특수성을 강조하며 회화의 본질을 탐구해 왔다. 하지만 새로운 기법의 반복과 대량생산은 단색화를 평면성과 물질성에 국한시켰다는 비판을 받아왔다”며, “오지윤 작가는 수만 번의 반복적 붓질을 통해 물리적 행위를 넘어선 정신적 몰입과 에너지의 흐름을 작품에 담아내며, 단색화의 비판을 넘어 현대미술에 독창적인 기여를 가능케 하고 있다”고 평가했다.
*아래는 위 기사를 '구글 번역'으로 번역한 영문 기사의 [전문]입니다. '구글번역'은 이해도 높이기를 위해 노력하고 있습니다. 영문 번역에 오류가 있을 수 있음을 전제로 합니다.<*The following is [the full text] of the English article translated by 'Google Translate'. 'Google Translate' is working hard to improve understanding. It is assumed that there may be errors in the English translation.>
Artist Oh Ji-yoon, Solo Exhibition at Hangaram Art Museum, Seoul Arts Center, Exhibition Hall 2
Theme: “The Sea Where the Sun Never Sets”... April 25–May 11
- Reporter Park Jeong-dae
In a recent press release, Hangaram Art Museum, Seoul Arts Center, announced that “On April 25, Western painter Oh Ji-yoon’s solo exhibition, The Sea Where the Sun Never Sets, will be held at Hangaram Art Museum, Seoul Arts Center, Exhibition Hall 2.”
According to the information, this exhibition was prepared to coincide with the month of the disabled, and the artist intends to talk about human dignity and the possibility of recovery through her work. She captures the agony and compassion of life along with the movement of the sea. The large-scale work with the same title as the exhibition, **〈The Sea Where the Sun Never Sets〉**, is approximately 15 meters long and expresses the undying breath and will to live through the sea covered in light. This work, composed of monochrome and simple forms, contains the beauty of overcoming and sublimating the pain and sadness of life. Artist Jiyoon Oh, who was selected as an official invited artist for the foreign pavilion at the 2024 Venice Biennale, was evaluated by Natalia Gryniuk, the curator of the Biennale headquarters, as having “works imbued with craftsmanship and a performative attitude.” This exhibition is a meaningful continuation of that invitation, and will be a valuable opportunity to experience Korean monochrome painting firsthand.
Art critic Dr. Hong Gai commented, “Korean monochrome painting has focused on the specificity of the medium and flatness, but the limitations of repetitive forms have also been pointed out,” and “Jiyoon Oh is opening up new possibilities for monochrome painting by demonstrating immersion and concentration beyond the physical dimension through repetitive actions.” Jiyoon Oh said, “The reason I leave space in my work is to allow viewers to project their own experiences and emotions,” and added, “I hope that anyone can accept my work in their own way and be comforted by it.” I hope that this exhibition will provide viewers with a time to reflect on themselves and stay quietly through the artist’s work. Since each person lives with different pain, joy, loss, and hope, I hope that the work will be an opportunity to face those emotions again and discover new meaning. The interpretation of these emotions can vary depending on each person’s flow, and the artist respects that freedom. That is why he says he chose a single color. Simple shapes and colors approach different emotions of life and are not interpreted with the same meaning. However, many viewers say that they feel ‘energy’ in the work, and the artist believes that this is the most important element that his work conveys. The artist knows well how cruel and sometimes indifferent the world is. In such a world, people seek healing and breakthroughs to endure pain. To the artist, the work feels like a process of such healing and a practice to overcome an unequal world. It is not intended to convey a grand philosophy or complex ideology. The artist wants to capture the life experiences that he has truly felt while living. He believes that each person has their own philosophy and ideology, and that it is not the role of art to force or preach them. The artist’s working method is very simple. The process of building up relief on the canvas and applying paint with thousands and tens of thousands of brush strokes may seem ordinary on the surface, but it contains deep sincerity and dedication of time. Just like a river that has flowed for tens of thousands of years. Artist Oh Ji-yoon says that she wants to convey deep emotions through inspiration from the simplicity of everyday life, not through grandiose and overwhelming emotions. She wants to approach the audience with sincerity in simple expressions, not through special techniques or complex structures. “I want to become an artist who can convey true comfort and courage from a human perspective. If many people can relieve their pain and have hope through my work, even just a little, that is why I paint. If the audience can forget their pain and confusion for a moment and feel peace, that is the greatest achievement I pursue. Ultimately, my paintings are a quiet conversation between the audience and me. Even though my work does not contain a grand ideology, I pick up my brush today in the hope that my sincerity will be conveyed. This quiet communication with the audience is the ultimate goal of my work.” <From the artist Oh Ji-yoon’s note>
Dr. Hong Gai said, “The Korean monochrome tradition has explored the essence of painting by emphasizing flatness and medium specificity at the peak of modernism. However, the repetition and mass production of new techniques have been criticized for limiting monochrome to flatness and materiality.” He evaluated, “Oh Ji-yoon has transcended the criticism of monochrome by capturing mental immersion and energy flow in her work beyond physical actions through tens of thousands of repetitive brushstrokes, and has made it possible to make an original contribution to modern art.”
