 ▲ 색(色)다른 풍경, 30x60cm, Acrylic on canvas, 2025. 손승희. ©브레이크뉴스 |
브레이크뉴스 노보림 기자= 작품은 작가를 닮는다는 말이 있다. 어찌 보면 창작자의 생각이나 작업 환경은 그대로 작품에 투영될 수밖에 없다. 때문에 작품을 들여다보기 이전에, 작가를 먼저 들여다보면 그 작품을 보다 잘 이해할 수 있다. 이에 브레이크뉴스는 국내 작가들과의 릴레이 인터뷰를 통해 작가의 작품은 물론, 삶의 이야기를 들어보는 시간을 가지려고 한다. <편집자 주>
-작품을 그릴 때 주로 어디에서 영감을 받나.
책에서 많은 영감을 받는다. 삶을 살아가면서 항상 궁금한 존재의 본질에 대한 질문들이 있다. 나는 무엇인지, 나와 타인, 세계가 맺는 관계에 대한 궁금증들인데 그 질문에 대한 대답을 찾아가는 과정에서 책을 통해 영감을 받을 때가 많은 것 같다.
-독자들에게 자신의 작품 2~3점 소개해 달라.
 ▲ 색(色)다른 풍경, 30x60cm, Acrylic on canvas, 2025. 손승희. © 브레이크뉴스 |
내 작업은 내가 생각하는 존재의 본질을 추상적으로 표현한 것이다. 즉, 우리 존재의 본질이 관계 속에 있음을 아는 것이다. 관계란 나와 타인, 세계가 끝없이 얽히고, 영향을 주고받고 해체되었다 다시 엮이는 과정이다. 본질은 고정된 실체가 아니라, 관계망 속에서만 성립한다.
작업에서의 각 층(layer)들은 다층으로 겹쳐지고, 색채와 형상들이 서로 독립적이면서도 유기적으로 연결되어, 서로를 비추고 겹쳐지는 관계망을 보여준다. 시각적 중첩과 색채, 형태의 반복을 통해 관계의 속성을 표현하고자 했으며, 하나가 또 다른 하나 위에 중첩되어 영향을 주고 받는 구조를 시각화하고자 했다. ‘풍경’은 외부의 경치가 아니라, 의식과 내면 속에서 관계가 만들어내는 층위이다. 겹겹이 쌓이는 과정에서 흐려지고 사라지는 색과 선의 중첩은 관계 속에서 드러났다가 사라지는 우리 존재의 본질(고정된 실체가 아니라, 관계망의 한 장면)과 닮아 있다고 생각한다.
우리는 모두 N번째 생을 살고 있다. 지금 현생의 삶은 수많은 생이 겹치고 겹쳐져 이루어진 ‘나’의 생이다. 모든 생이 연결되어 있다. 그 생 안에서 관계 맺는 타인도 마찬가지이다. 내가 수많은 생을 거치는 동안 우리는 모두 한 번씩 만났을지도 모르겠다. 어느 생에선 내가 상처를 주고 어느 생에선 내가 상처를 받았을지도 모른다. 원인 속에 결과가 있고 결과 속에 원인이 있다는 말처럼 생은 무한히 반복된다. 그 반복 속에서 타인은 나와는 다르지만, 또 그 동시에 나인 존재가 되기도 한다. 작업에서 겹겹이 쌓아올려 중첩된 색면들은 우리 각자가 만들어 낸 수없이 많은 세계이고, 그 세계가 쌓이고 겹쳐지는 과정을 반복하며 결국 다시 하나가 된다. 그리고 수많은 생들이 겹치고 겹쳐져 이루어진 지금 우리의 생에 대한 풍경이기도 한다. 이런 생각들을 캔버스에 담으려고 노력했다.
-왜 작가로서의 삶을 선택했나.
내면에 불안이 가득하고 상처가 많은 나에게 그림은 마음의 고요와 안정을 준다. 명상을 하는 것처럼 그림을 통해 깊이 내면으로 들어갈 수 있다. 결과물에 상관없이 그림을 그리는 과정 자체가 나에게는 마치 수행처럼 느껴진다. 개인적으로 작가란, 한 가지 주제에 깊게 천착하는 사람이라고 생각한다. 오늘도 나는 작가가 되기 위해 공부하고 그림을 그린다.
 ▲ 색(色)다른 풍경, 30x30cm, Acrylic on canvas, 2024. 손승희. © 브레이크뉴스 |
-작가로 활동하며 가장 힘들었던 순간이 있다면 언제였나.
2019년 2인전 전시준비가 생각난다. 나에게는 그 전시가 추상의 출발점이었다. 임신, 육아로 7년 정도 작업을 쉬는 동안, 내가 진짜 그리고 싶은 것은 무엇일까? 왜 그림을 놓을 수 없을까? 다시 그림을 그릴 수는 있을까? 이런 여러 가지 생각들을 정말 많이 했다. 우연한 기회로 2인전을 준비하게 되었는데, 막상 캔버스 앞에만 앉으면 온갖 감정과 생각이 휘몰아쳐서 작업을 할 수가 없었다. 새하얀 캔버스를 하루 종일 쳐다만 보고 있었던 그 시간은 정말로 힘들었다. 그 시기에 우연히 현대미술 작가님을 소개로 만나게 되었다. 운 좋게도 그분께 사사를 받게 되었다. 내가 그리고 싶은 주제와 세계관, 그 분의 그림에 관한 이야기 등 대부분이 철학적인 이야기였다. 여러 번의 대화 끝에 그분이 추상을 권유하셨다. 그 전까지는 내가 추상을 그릴 수 있으리라고는 한 번도 생각해 본적이 없었다. ‘어차피 내가 지금 과거의 방식으로는 작업이 잘 진행되지 않으니, 차라리 모든 것을 새롭게 시작해볼 수 있는 추상이 나을 수도 있겠다’ 라는 마음이 들었다. 다양한 자료를 찾아보고, 작업을 하면서 추상적 표현이 내가 천착하는 주제와 잘 맞아 떨어진다는 생각이 들었다. 내가 할 수 있는 모든 것을 쏟아 부었다. 정말 힘든 과정이었고, 미숙했던 전시였지만, 결과물과 상관없이 과정이 작품이 될 수도 있다는 것을 그때 처음 느꼈다. 힘들었지만, 작가로서 한 뼘 성장한 그 순간의 시간들이 가장 기억에 남는다.
-반대로 가장 행복했던 순간은?
올해 처음으로 개인 작업실을 구했다. 나만의 독립된 작업실이 있다는 것도 기분 좋은 일인데, 그 작업실 벽에 걸어놓은 그림을 보고 고요함을 느낄 때, 행복하다는 생각을 한다.
-앞으로의 전시 계획은.
사실 작가로서는 미흡한 점이기도 한데, 작업하는 것만 좋아하고 전시 준비를 하는데 어려움이 있었다. 앞으로는 개인전도 1년에 한 번씩은 꼭 하고, 아트페어와 여러 다양한 공모전에도 많이 도전해 볼 계획이다.
*아래는 위 기사를 '구글 번역'으로 번역한 영문 기사의 [전문]입니다. '구글번역'은 이해도 높이기를 위해 노력하고 있습니다. 영문 번역에 오류가 있을 수 있음을 전제로 합니다.<*The following is [the full text] of the English article translated by 'Google Translate'. 'Google Translate' is working hard to improve understanding. It is assumed that there may be errors in the English translation.>
[Interview] Artist Seunghee Son's Colorful Landscapes... Phenomenological Landscapes Where the Familiar World (color) Reveals Itself in Different Ways
- Where do you primarily draw inspiration for your work?
I draw a lot of inspiration from books. As we go through life, we constantly wonder about the essence of existence. These are questions about what I am, the relationship between myself, others, and the world. I often find inspiration in books as I search for answers to these questions.
- Could you please introduce two or three of your works to our readers?
My work is an abstract expression of what I believe to be the essence of existence. In other words, it's about recognizing that the essence of our existence lies in relationships. Relationships are a process where I, others, and the world are endlessly intertwined, influencing each other, disintegrating, and then re-weaving. Essence is not a fixed entity, but exists only within a network of relationships.
The layers in my work overlap in multiple layers, and the colors and shapes are independent yet organically connected, reflecting and overlapping each other, revealing a network of relationships. Through visual overlapping, color, and form repetition, I sought to express the nature of relationships, visualizing the structure in which one influences another by overlapping and interacting with the other. "Landscape" is not an external landscape, but rather the layers created by relationships within consciousness and the inner self. I believe the overlapping of colors and lines, blurring and fading as they accumulate, resembles the essence of our existence (not a fixed entity, but a scene in a network of relationships) that emerges and disappears within relationships.
We are all living our Nth life. This present life is the life of "me," formed by the overlapping of countless lives. All lives are connected. The same is true of the others we form relationships with within those lives. Perhaps we have all met at least once during my countless lives. In some lives, I may have hurt others, and in others, I may have been hurt. As the saying goes, "cause leads to effect, and effect leads to cause," life repeats infinitely. In this repetition, others are different from me, yet at the same time, they become me. The layered, overlapping color planes in my work represent the countless worlds we each create, and through this process of building and overlapping, they ultimately become one. It is also the landscape of our present lives, formed by the overlapping of countless lives. I tried to capture these thoughts on canvas.
-Why did you choose a life as an artist?
For me, who is filled with inner anxiety and wounds, painting provides peace and tranquility. Like meditation, painting allows me to delve deep into my inner self. Regardless of the outcome, the process of painting itself feels like a spiritual practice to me. Personally, I believe an artist is someone who delves deeply into a single subject. Even today, I study and paint to become an artist.
-What was the most challenging moment in your career as an artist?
I remember preparing for my two-person exhibition in 2019. For me, that exhibition was the starting point of my abstract art. During my seven-year hiatus from painting due to pregnancy and childcare, I pondered: What do I truly want to paint? Why can't I let go of painting? Can I ever paint again? I had so many thoughts like these. By chance, I had the opportunity to prepare a two-person exhibition, but as soon as I sat down in front of the canvas, all sorts of emotions and thoughts would swirl around me, making it impossible to work. Those days of staring at a blank canvas all day were truly exhausting. Around that time, I was introduced to a contemporary artist. Luckily, I was able to learn from him. Most of our discussions were philosophical, including themes I wanted to paint, my worldview, and his paintings. After several conversations, he recommended abstraction. Until then, I had never even considered abstraction. I thought, "Since my old methods aren't working well, maybe abstraction would be a better way to start anew." As I researched various materials and worked, I realized that abstraction was a perfect fit for my themes. I poured everything I had into it. It was a truly arduous process, and the exhibition was still in its infancy, but that was when I first realized that the process, regardless of the outcome, can become a work of art. Although it was difficult, those moments of growth as an artist are the most memorable.
- On the other hand, what was your happiest moment?
This year, I got my first private studio. Having my own private studio is a wonderful feeling, but I also feel happy when I look at the paintings hanging on the walls and feel the peace.
- Future exhibition plans
Actually, it's a weakness as an artist, but I've always enjoyed working and found it difficult to prepare for exhibitions. Going forward, I plan to hold a solo exhibition at least once a year and participate in various art fairs and competitions.
