 ▲ 강금복 作-상생의 꿈, 오딧세이, 32x32cm, 한지에 채색 |
서울 인사동 갤러리 라메르 1층과 3층이 예술의 빛으로 일렁이고 있다. 사단법인 국제현대예술협회(이사장 김용모)가 주최한 ‘2026 대한민국 오늘의 작가정신전’이 지난 1월 28일 막을 올렸다. 오는 2월 2일까지 이어지는 이번 전시는 단순한 연례행사를 넘어 동시대 한국미술의 흐름을 가늠하게 하는 장으로, 세대와 장르의 경계를 허문 170여 명 작가의 예술혼이 하나의 거대한 파동처럼 번져가는 자리다.
새해의 문턱에서 예술가들이 제시한 화두는 분명하다. 그들은 저마다의 언어로 시대의 어둠을 향해 빛을 비추고 세상의 상처 위에 예술이 가진 치유와 정화의 힘을 고요히 새기고 있다. 이번 전시의 의미를 더욱 풍요롭게 하는 것은 국경을 초월한 ‘교류의 미학’이다. 특히 일본 작가들의 참여는 단순한 국제 교류가 아니라, 동아시아 미술이 공유하는 정서와 감각이 어떻게 오늘의 미술에서 서로를 비추는지 보여주는 중요한 사례다.
일본 작가 8명(Kira, Akina Nishio, Sui Urayanagi, YUKA.O, Yasushi Kunimune, Yoko Takahira, Hiroshi, Saki Fujita)의 참여는 단순한 초대가 아닌 예술가 간 깊은 연대와 호흡에서 비롯된 정신적 교류의 결과다. 이들의 참여는 서로 다른 문화적 배경이 한 지점에서 만나 동시대 미술이 지닌 감수성을 확장시키는 중요한 지표이기도 하다. 특히 이지연 사무국장과 일본 작가들의 인연은 예술이 ‘보이지 않는 길’로 서로의 마음을 연결하고 있다는 사실을 증명한다.
 ▲ 김용모 作-사는 이야기-화양연화, 41x53cm, oil on canvas |
전시된 170여 점의 작품은 시대의 예민한 감성을 기록하는 증언이며 예술가가 세계와 대화하는 방식이다. 분열과 소란으로 가득한 시대지만, 그들은 오히려 더 깊이 자신의 내면을 들여다보고 오늘을 살아가는 존재의 감정과 질문을 시각적 언어로 응축해냈다. 그 여정 끝에서 그들은 빛이 머무는 자리를 찾아 스스로의 화면에 새겨 넣음으로써 동시대 미술이 지닌 치유의 가능성을 다시 환기시키고 있다.
예술은 언제나 시대의 그림자를 먼저 감지하여 그 어둠을 이겨내는 가장 승화된 언어이다. 이번 전시는 바로 그 원형적 힘을 다시 일깨운다. 각기 다른 매체와 표현 방식 속에서 작가들은 시대의 불안과 희망을 스스로의 언어로 번역하며 이를 통해 오늘의 삶을 새롭게 읽어낼 감각을 제시한다. 작품 하나하나는 독립된 빛을 품고 있지만, 그 빛들이 전시장에서 서로를 향해 번져갈 때 비로소 ‘오늘의 작가 정신’이라는 거대한 하나의 울림으로 완성된다.
강금복의 작품 ‘상생의 꿈, 오디세이’는 한지 위에 스며든 깊은 청색의 심연을 통해 관객을 명상의 세계로 이끈다. 청색이 한지의 결을 따라 번져가는 방식은 깊고 조용한 내면의 호흡을 시각화하며 작품 전체를 하나의 거대한 사유의 공간으로 확장한다. 화면을 감싸는 푸른 빛은 우주적 근원을 상징하고 그 가운데 떠오른 순백의 매화와 외로운 배는 상반된 존재임에도 고요한 균형 속에서 서로를 비춘다. 매화는 고결한 정신의 잔영을 배는 존재의 근원적 여정을 상징하며 작품의 핵심 주제인 ‘오디세이’를 형상화한다. 화면 하단의 작은 빛들은 도시의 불빛이 별빛처럼 일렁이며 시간성과 공간성이 교차하는 장면을 만들어 자연의 영원성과 인간 세계의 현실성을 한 화면 속에서 화해시키는 의식을 그려내고 있다. 작가의 ‘상생’ 철학은 이처럼 조형적 감성과 상징적 이미지가 겹쳐 드는 지점에서 가장 밀도 높게 드러난다.
김용모의 ‘사는 이야기-화양연화’는 캔버스를 가득 채운 두터운 질감을 통해 삶의 가장 찬란한 순간을 역동적으로 그려내고 있다. 캔버스 위에 중첩된 마티에르는 시간의 퇴적층처럼 화면의 깊이를 형성하며 작가 특유의 육중한 호흡을 시각적으로 드러낸다. 투박한 듯 당당하게 중심을 잡은 화병과 피어난 푸른 꽃들의 향연은 평범한 일상의 삶이 품은 소중한 기운이다. 보라색 배경과 대비를 이루는 강렬한 색채의 유희는 인생에서 가장 아름다운 시절인 ‘화양연화’를 예찬하며 거친 붓질이 만들어낸 층층의 질감은 우리가 살아온 시간의 궤적과 인내를 증명한다. 이는 강렬한 색면 대비와 물성의 울림을 통해 일상의 고단함조차 찬란한 예술적 환희로 승화시키려는 작가 특유의 긍정적 생명력과 서정성을 동시에 담아내고 있다.
3층 전시 작품을 관람하고 1층 작품을 살피면서 맨 처음에 만난 유승완 작가의 작품과 맨 마지막에 전시를 안내하는 데스크 옆에 걸린 이지연 작가의 작품 앞에서 오랫동안 머물렀다.
 ▲ 유승완 作- 나의 빛(light), 27×19cm mixed media on woodcanvas, / 존재 (My Being), 27×19cm · mixed media on woodcanvas |
먼저 유승완의 작품 ‘나의 빛(light)’과 ‘존재(My Being)’는 토끼와 거북이, 미키마우스 같은 대중문화의 아이콘을 수지(resin)로 빚어 그 뒷모습을 배치함으로써 현대인의 내면적 성찰을 팝 서러리즘(Pop Surrealism)의 어법으로 풀어내고 있다. 나아가 대중적 상징을 전면이 아닌 후면으로 제시함으로써 익숙함을 낯설게 전환하는 동시에 주체의 본질을 탐색하는 독특한 심미적 상황을 마련한 것이다. 특히 이 작품들이 전하는 뒷모습의 미학은 현재 뮤지컬 음향 엔지니어로 활동하며 무대 뒤편 어둠 속에서 늘 배우들의 뒷모습을 응시하며 소리를 조율해 온 작가의 독특한 직업적 시선이 느껴졌다.
화려한 조명 너머의 진실을 목격해 온 그의 경험은 관객을 등진 채 어딘가를 응시하는 캐릭터들을 통해 화려한 겉모습 뒤에 숨겨진 자아의 본질과 근원적인 빛을 탐구하게 만든다. 혼합 매체를 활용하여 입체적 볼륨감을 살린 릴리프 형식의 회화는 로우브로우 아트(Lowbrow Art) 특유의 유희적 변용을 보여주며 대중적 기호를 예술적 오브제로 승화시킨다. 이 입체적 표면은 캐릭터의 뒷모습에 서늘한 실존적 깊이를 부여하며 시각적 낯섦을 통해 관람자에게 시선의 방향을 다시 묻고 있다. 이는 익숙한 이미지를 초현실적으로 재해석하여 현대 미술의 지평을 넓히려는 시도로 뒷모습이 전하는 묵직한 침묵을 통해 우리 삶의 진정한 존재의 가치를 되묻고 있다 할 것이다.
 ▲ 이지연 作- Waves of Memory #5, 45.5x45.5cm, mixed media on woodcanvas / 이지연 作- Waves of Memory- Sunset Sea, 45.5x45.5cm, mixed media on woodcanvas |
맨 마지막에 눈길을 붙든 이지연의 ‘Waves of Memory’ 시리즈는 수지를 깎고 색을 입힌 층을 차곡이 올려 빛과 시간이 스며드는 순간을 붙잡는다. 적층된 표면의 깊이가 빛을 서로 다른 속도로 받아들이며, 렌티큘러를 넘어설 만큼 역동적인 색 변화와 형태의 미세한 이동을 만들어낸다. 이는 작가가 쌓아올린 수지의 레이어들이 빛의 각도에 따라 굴절·투과하며 만들어내는 기억의 다층성이다.
달항아리와 그릇의 형상 속에는 어린 시절 강과 바다의 물빛, 그리고 저녁노을의 잔광이 금박과 수지의 현대적 재료로 농축되어 있다. 이 작업은 단순한 이미지 재현을 넘어서 반복적 적층 행위 속에 작가의 시간을 각인시키고, 빛이 머무는 깊이를 물질 속에 구조적으로 새겨 넣음으로써, 관람자의 시선이 움직일 때마다 달라지는 기억의 속성을 충실히 반영한다.
2026년 우리의 것으로 빛나는 예술 여정이 바로 이 전시에 담긴 작가 정신에서 비롯되기를 바란다. 이번 전시가 보여준 다양한 표현과 사유의 스펙트럼은 동시대 한국 미술이 지닌 저력과 가능성을 다시 확인시켜 준다. 170여 명의 붓끝과 조형의 숨결이 만들어낸 이 울림이 우리 사회의 메마른 감성을 적시고, 예술이 나아가야 할 새로운 방향을 비춰주는 작은 불빛이 되기를 기대한다. artwww@naver.com
참여작가(가.나.다. 順)
가언수 강금복 강순덕 강아름 강영순 강창화 강희진 고은철 국영주 권동기 권석열 권슬기 김갑수 김경란 김경희 김계아 김광석 김기민 김동욱 김말순 김명혜 김미례 김미연 김미자 김미주 김민지 김소희 김수향 김숙자 김순영 김영옥 김예진 김용모 김유리 김유진 김은지 김인숙김자숙 김재은 김정선 김정희 김주희 김지영 김진권 김진향 김현기 김현숙 김혜임 노정화 문소정 문일봉 민관식 민성동 민순홍 박경순 박경희 박남정 박미숙 박미애 박미정 박소현 박지은 박효서 배금좌 배승현 백수정 서경임 서은혜 서이은 석수정 손동주 손숙자 손예원 손인성 손해일 송 강 송대섭 신명숙 신민화 신정훈 신지안 심옥이 안현정 양유민 양혜운
여정숙 연현정 오경숙 오지우 오후자 유선영 유세청 유순희 유승완 윤 선 윤공희 이경옥 이경희 이남숙 이범헌 이병욱 이병호
이선희 이순주 이승훈 이오숙 이옥숙 이윤경 이윤정 이윤환 이인숙 이정렬 이정순 이정영 이종순 이종승 이지연 이현용 이화선
임다훈 임현순 장서란 장정영 전병희 정기숙 정덕원 정동식 정막달 정미나 정은미 정준석 조명환 조성용 조종숙 조철수 조춘제 주우석 주은영 지숙영 지현주 최보경 최수아 최운희 최윤정 최은진 최태분 한경임 한영희 한외란 한은주 한혜경 현광팔 홍종구 황순규 황제성 이 베아트리체
JAPAN 참여 작가
Kira. Akina Nishio. Sui Urayanagi. YUKA.O. Yasushi Kunimune. Yoko Takahira. Hiroshi. Saki Fujita
필자: 이일영
한국미술센터 관장. 칼럼니스트. 시인).
*아래는 위 기사를 '구글 번역'으로 번역한 영문 기사의 [전문]입니다. '구글번역'은 이해도 높이기를 위해 노력하고 있습니다. 영문 번역에 오류가 있을 수 있음을 전제로 합니다.<*The following is [the full text] of the English article translated by 'Google Translate'. 'Google Translate' is working hard to improve understanding. It is assumed that there may be errors in the English translation.>
 ▲ 필자: 이일영 ©이일영 칼럼니스트 |
Pursuing the Light of Art - '2026 Korea Today's Artists' Exhibition'
- Columnist Lee Il-young
The first and third floors of Gallery La Mer in Insa-dong, Seoul, are ablaze with the light of art. Hosted by the International Contemporary Art Association (Chairman Kim Yong-mo), the "2026 Korea Today's Artists' Spirit Exhibition" opened on January 28th. Running until February 2nd, this exhibition goes beyond mere annual events to become a venue for assessing the currents of contemporary Korean art. It's a place where the artistic spirit of some 170 artists, defying boundaries of generation and genre, spreads like a single, massive wave.
At the threshold of the new year, the theme presented by these artists is clear. Each artist, with their own unique language, shines light on the darkness of their time and quietly engraves the healing and purifying power of art upon the wounds of the world. What enriches the meaning of this exhibition is the "aesthetics of exchange" that transcends borders. The participation of Japanese artists, in particular, is not simply an international exchange; it serves as a significant example of how the shared emotions and sensibilities of East Asian art reflect one another in contemporary art.
The participation of eight Japanese artists (Kira, Akina Nishio, Sui Urayanagi, YUKA.O, Yasushi Kunimune, Yoko Takahira, Hiroshi, Saki Fujita) is not a mere invitation, but the result of a spiritual exchange born from deep solidarity and collaboration among the artists. Their participation is also a significant indicator of how diverse cultural backgrounds converge to broaden the sensibilities of contemporary art. The connection between Director Lee Ji-yeon and the Japanese artists, in particular, demonstrates how art connects hearts through "invisible paths."
▲ Kim Yong-mo, "Living Story" - In the Mood for Love, 41x53cm, oil on canvas
The approximately 170 works on display are testimony to the sensitive sensibilities of the times and represent the artist's dialogue with the world. Despite a time filled with division and turmoil, these artists have instead delved deeper into their own selves, condensing the emotions and questions of living beings into visual language. At the end of their journey, they find a place where light dwells, inscribing it onto their canvases, thereby rekindling the healing potential of contemporary art.
Art is always the most sublime language, perceiving the shadows of the times and overcoming them. This exhibition reawakens this primal power. Through diverse media and modes of expression, the artists translate the anxieties and hopes of the times into their own language, offering a fresh perspective on life today. Each work carries its own independent light, but only when these lights radiate and resonate within the exhibition space do they become a single, colossal resonance: "the spirit of today's artists."
Kang Geum-bok's work, "Dream of Coexistence, Odyssey," draws the viewer into a meditative world through the abyss of deep blue permeating the hanji paper. The way the blue spreads along the paper's grain visualizes a deep and quiet inner breathing, expanding the entire work into a vast space of contemplation. The blue light that envelops the canvas symbolizes the cosmic origin, and the pure white plum blossom and the lonely boat rising amidst it, despite their contrasting existences, reflect each other in a tranquil balance. The plum blossom symbolizes the primal journey of existence, bearing the remnants of a noble spirit, and embodies the work's core theme, the "Odyssey." The small lights at the bottom of the canvas, shimmering like starlight, create a scene where time and space intersect, depicting a ritual that reconciles the eternity of nature with the reality of the human world within a single frame. The artist's philosophy of "coexistence" is most intensely revealed at this juxtaposition of formative sensibility and symbolic imagery.
Kim Yong-mo's "Life Story - In the Mood for Love" dynamically depicts life's most splendid moments through the thick textures that fill the canvas. The overlapping matières on the canvas, like layers of time, create depth within the painting, visually revealing the artist's characteristically weighty breath. The vase, seemingly rustic yet confidently centered, and the feast of blooming blue flowers symbolize the precious energy of ordinary, everyday life. The play of vibrant colors contrasting with the purple background eulogizes the "in the mood for love," the most beautiful moment in life, while the layered textures created by rough brushstrokes attest to the trajectory of time and the perseverance we endure. Through the intense contrast of color and the resonance of materiality, this work simultaneously captures the artist's signature positive vitality and lyricism, transcending even the hardships of everyday life into radiant artistic joy.
After viewing the works on the third floor, I lingered for a long time before Yoo Seung-wan's work, which I encountered first, and Lee Ji-yeon's work, which hung next to the exhibition information desk.
▲ Yoo Seung-wan's "Light" (My Light), 27×19cm mixed media on woodcanvas, / My Being (My Being), 27×19cm · mixed media on woodcanvas
First, Yoo Seung-wan's works, "Light" and "My Being," depict pop culture icons like the rabbit, the turtle, and Mickey Mouse in resin, presented from behind. These works explore the inner reflections of modern people through the lens of pop surrealism. Furthermore, by presenting popular symbols from the back rather than the front, they create a unique aesthetic situation that transforms the familiar into the unfamiliar, while simultaneously exploring the essence of the subject. The aesthetic of the back, particularly conveyed in these works, reflects the artist's unique professional perspective, as he currently works as a musical sound engineer, constantly observing the backs of actors and tuning the sound from the shadows of the stage.
His experience witnessing the truth beyond the dazzling lights leads him to explore the essence of the self and the fundamental light hidden behind the dazzling facades through characters who stare off into space, their backs turned to the viewer. Using mixed media, his relief paintings, which create a sense of three-dimensional volume, showcase the playful transformation characteristic of lowbrow art, elevating popular preferences into artistic objects. This three-dimensional surface imbues the characters' backs with a chilling existential depth, and through visual unfamiliarity, forces the viewer to reorient their gaze. This attempt to broaden the horizons of contemporary art through a surreal reinterpretation of familiar images, and through the weighty silence conveyed by these backs, he questions the true value of existence in our lives.
▲ Lee Ji-yeon's "Waves of Memory" #5, 45.5x45.5cm, mixed media on woodcanvas / Lee Ji-yeon's "Waves of Memory" Sunset Sea, 45.5x45.5cm, mixed media on woodcanvas
Lee Ji-yeon's "Waves of Memory" series, which caught my eye at the very end, captures the moment when light and time permeate the work, layering layers of carved and colored resin. The depth of the layered surfaces allows light to flow at different speeds, creating dynamic color shifts and subtle shifts in form that surpass even lenticular. This is the multilayered nature of memory created by the artist's layers of resin, which refract and transmit light depending on the angle.
In the shapes of the moon jars and bowls, the colors of the rivers and seas of her childhood, and the afterglow of sunset, are condensed into the contemporary materials of gold leaf and resin. This work goes beyond simple image reproduction, imprinting the artist's time through repetitive layering. By structurally inscribing the depth of light's lingering presence into the material, it faithfully reflects the changing nature of memory as the viewer's gaze shifts.
I hope that the radiant artistic journey of 2026 will stem from the very spirit of the artists embodied in this exhibition. The diverse spectrum of expression and thought presented in this exhibition reaffirms the power and potential of contemporary Korean art. I hope that this resonance, created by the brushstrokes and sculptural breath of over 170 artists, will soothe the parched sensibilities of our society and serve as a small beacon illuminating a new direction for art. artwww@naver.com
Participating Artists (in order of A, B, C)
Ga Eon-soo, Kang Geum-bok, Kang Soon-deok, Kang Areum, Kang Young-soon, Kang Chang-hwa, Kang Hee-jin, Go Eun-cheol, Kook Young-ju, Kwon Dong-gi, Kwon Seok-yeol, Kwon Seul-gi, Kim Gap-soo, Kim Gyeong-ran, Kim Gyeong-hui, Kim Gye-ah, Kim Gwang-seok, Kim Ki-min, Kim Dong-wook, Kim Mal-soon, Kim Myeong-hye, Kim Mi-rye, Kim Mi-yeon, Kim Mi-ja, Kim Mi-ju, Kim Min-ji, Kim So-hee, Kim Soo-hyang, Kim Sook-ja, Kim Soon-young, Kim Young-ok, Kim Ye-jin, Kim Yong-mo, Kim Yu-ri, Kim Yu-jin, Kim Eun-ji, Kim In-sook, Kim Ja-sook, Kim Jae-eun, Kim Jeong-seon, Kim Jeong-hee, Kim Joo-hee, Kim Ji-young, Kim Jin-kwon, Kim Jin-hyang, Kim Hyun-ki, Kim Hyun-sook, Kim Hye-im, Noh Jeong-hwa, Moon So-jeong, Moon Il-bong, Min Gwan-sik, Min Seong-dong, Min Sun-hong, Park Gyeong-soon, Park Gyeong-hui, Park Nam-jeong, Park Mi-sook, Park Mi-ae, Park Mi-jeong, Park So-hyun, Park Ji-eun, Park Hyo-seo, Bae Geum-jwa, Bae Seung-hyeon, Baek Su-jeong, Seo Gyeong-im, Seo Eun-hye, Seo Yi-eun, Seok Su-jeong, Son Dong-ju, Son Sook-ja Son Ye-won, Son In-seong, Son Hae-il, Song Kang, Song Dae-seop, Shin Myung-sook, Shin Min-hwa, Shin Jung-hoon, Shin Ji-an, Shim Ok-yi, Ahn Hyun-jung, Yang Yu-min, Yang Hye-un
Yeo Jung-sook, Yeon Hyun-jung, Oh Kyung-sook, Oh Ji-woo, Oh Oh-ja, Yoo Seon-young, Yoo Se-cheong, Yoo Soon-hee, Yoo Seung-wan, Yoon Seon, Yoon Gong-hee, Lee Kyung-ok, Lee Kyung-hee, Lee Nam-sook, Lee Beom-heon, Lee Byung-wook, Lee Byung-ho
Lee Sun-hee, Lee Soon-joo, Lee Seung-hoon, Lee Oh-sook, Lee Ok-sook, Lee Yoon-kyung, Lee Yoon-jung, Lee Yoon-hwan, Lee In-sook, Lee Jung-ryeol, Lee Jung-soon, Lee Jung-young, Lee Jong-soon, Lee Jong-seung, Lee Ji-yeon, Lee Hyun-yong, Lee Hwa-seon
Im Da-hoon, Im Hyun-soon, Jang Seo-ran, Jang Jeong-yeong, Jeon Byung-hee, Jeong Gi-sook, Jeong Deok-won, Jeong Dong-sik, Jeong Mak-dal, Jeong Mi-na, Jeong Eun-mi, Jeong Jun-seok, Jo Myeong-hwan, Cho Sung-yong, Jo Jong-sook, Jo Cheol-soo, Jo Chun-je, Jo Woo-seok, Joo Eun-young, Ji Sook-young, Ji Hyun-joo, Choi Bo-kyung, Choi Su-ah, Choi Woon-hee, Choi Yoon-jung, Choi Eun-jin, Choi Tae-bun, Han Kyung-im, Han Young-hee, Han Oe-ran, Han Eun-joo, Han Hye-kyung, Hyun Gwang-pal, Hong Jong-gu, Hwang Soon-gyu, Hwang Je-seong, Lee Beatrice
JAPAN Participating Artists
Kira, Akina Nishio, Sui Urayanagi, YUKA, Yasushi Kunimune, Yoko Takahira, Hiroshi, Saki Fujita
Author: Lee Il-young
Director, Korean Art Center. Columnist. Poet.
